ERASERHEAD*

*CINE-TEATRO CAMPO ALEGRE

Caros cineclubistas, aproxima-se a última sessão deste semestre do nosso tão amado cineclube. Última sessão implica grand finale, quando a senhora gorda canta, etc, etc, pelo que temos uma sessão especialíssima.
Com efeito, a dita será realizada numa sala VIP dos cinemas do C.C. Dolce Vita, na próxima quarta-feira (19) às 21h30, sendo gratuita, claro, como todas as outras.
Ora, tendo em conta estas condições, somos forçados a abrir inscrições para a mesma, já que a lotação máxima é de 70 pessoas. Queiram os interessados entrar em contacto connosco, seja pelo blog, pelo e-mail, ou então directamente na FDUP.
Sem mais, fica aqui o trailer do filme que será exibido, The Squid and the Whale, de Noah Baumbach.

Nota: Os contactos via blog ou e-mail ficam sujeitos a confirmação.

Esta quarta-feira, às 18h15, a quarta longa-metragem de Stanley Kubrick



Kirk Douglas em Paths of Glory (1957)

amanhã, às 18h.
apresentação de David Barros (FLUP)

Aproxima-se um filme que será, quanto a mim, um dos melhores do ano dentro do género. Chama-se Control, de Anton Corbijn, e relata a história e vida de Ian Curtis, e da sua banda formada em 1976 - Joy Division, bem como o posterior suicídio do vocalista.
Eu gosto muito dos Joy Division, uma das mais primárias bandas do post-punk, e gosto muito dos New Order, banda que surgiu das cinzas daquela. O filme é a preto e branco, como era exigido pelo glam da época. Mais a dizer, só que já arrecadou 9 prémios em vários festivais, como Cannes, Chicago e Melbourne. Decididamente, a não perder. Quer para quem gosta de música, quer para quem gosta de cinema (quanto a mim são indissociáveis).

é bom, apesar de alguns momentos menos felizes a ser evitados. parecem tiradas angélicas "a la carochinha" style, mas continua a valer bem a pena ver o filme.
nota pessoal: soube bem, após uma série de filmes "pesados" para o espírito, ver uma coisa mais leve, histórica e diferente.
Aconselhado vivamente.

Caros cineclubistas,

Depois do período de férias e do início do ano lectivo, a actividade do Cineclube está de regresso.
Na próxima quarta-feira, abrimos a nossa programação com Rumble Fish/Juventude Inquieta, uma película de Coppola.
Neste segundo ano de actividade, contrariando a tendência do ano passado, incidiremos maioritariamente sobre a cinematografia americana. No entanto, não deixaremos de agarrar significativas obras das indústrias europeias: no primeiro semestre, Roma Cidade Aberta, magistoso ícon neo-realista; no segundo semestre, optando entre Pickpocket ou Fugiu um Condenado à Morte, introduziremos Robert Bresson.
O último filme do semestre, A Lula e a Baleia (The Squid and the Whale), decorrerá numa sala de cinema da cidade, numa sessão gratuita para todos os interessados, para a qual abriremos inscrições em finais de Novembro.
Continuaremos com a estrutura de apresentação aos filmes, no início das sessões, com o mesmo objectivo de conduzir a uma compreensão contextualizada das obras, ao nível estético e histórico.
Continuaremos também com o mesmo sistema de contribuições mensais pelos associados, vital para o desenvolvimento e reprodução do projecto. E assim, por uma boa causa, já na próxima semana, começaremos a incomodar a comunidade da fdup com este propósito.
Dia 31, a sétima arte voltará a habiitar a Faculdade, integrando toda a sua dinâmica, com a reabertura das sessões do Cineclube, que certamente continuará a representar um interessante espaço de convívio e crescimento cultural.
Até quarta.

O cineclube apresenta as suas desculpas aos seus sócios e amigos (não sei porquê mas oiço grilos...) pelo atraso na publicação do cartaz e início de mais uma temporada, mas infelizmente a burocracia impede-nos de melhor.

De qualquer modo, e penso que falo por todos os membros da direcção do cineclube, damos as boas vindas aos novos alunos da FDUP, e também aos velhos, e esperar que, apesar dos problemas que surgem com a "entrada" do curso em Bolonha, tudo corra pelo melhor...

Sem mais, prometemos ser breves a iniciar as nossas tarefas, um bem haja a todos.

Agradecimentos é comigo ou com o Sr. Guilherme Silva.
Reclamações é favor se dirigirem ao Departamento de Queixas do Sr. Joaquim Guilherme Blanc.

Estou de volta, caros cineclubistas. Depois de uma semana paradisíaca e inesquecível em terras longínquas, voltar ao Porto é sempre uma experiência de díficil de definir. Quando comparamos a beleza das paisagens e das gentes nórdicas com a nossa, juntando-lhe uma cultura assaz diferente, de preocupação artística e ecológica e social inigualável, sentimo-nos sempre a perder.

Só para deixar algumas curiosidades, em Copenhaga não vi um único traço de sujidade nas ruas, embora tivesse de correr tudo para encontrar um único caixote do lixo. E as bicicletas têm prioridade sobre os carros - estão em maioria, claro está. Na Noruega, um país com apenas 6 milhões de pessoas e o dobro do tamanho do nosso (a capital, Oslo, cuja área é quatro vezes a de Paris, tem apenas 500 000 habitantes), o equivalente ao IVA varia entre 15% e 25% e o IRS entre 30% e 50%. A maior parcela da riqueza nacional advém, no entanto, da exportação de petróleo, pois o seu consumo interno representa apenas algo como 10% da energia utilizada - os restantes 90% provêm de energias renováveis e gás natural. Cerca de 30% de toda a riqueza nacional é canalizada para o sistema de Segurança Social, e pasme-se, apenas 1% das escolas de ensino básico e secundário são privadas, e 3% no ensino superior. Ah, e até aos 13 anos as crianças não recebem notas na escola - transitam sempre de ano.

É claro que nem tudo é perfeito. O café não presta, as pessoas à meia-noite já estão em coma alcoólico, e o tempo é um desespero. Por isso, quando volto à minha terra há coisas às quais dou um valor imenso - o sol, o calor, o "cimbalino", a praia, os pastéis de nata, as legendas nos filmes. O Porto, apesar de tudo, é a minha cidade, a cidade à qual sempre voltarei, mesmo após ficar deslumbrada com todas as outras. Pedem-me usualmente para definir o Porto. Não sei que diga. Afirmações banais são traições banais. Então penso que a melhor forma de perceber o Porto reside no género. Quase todas as cidades europeias são femininas. Vamos a Lisboa. A Madrid. A Paris. A Londres. A Roma. A Praga. Não é por acaso. Existe nestas cidades uma leveza feminina, uma graciosidade pueril muito avessa à rudeza dos machos. O Porto é outra história. É o Porto. Cinzento. Rude. Masculino. Cativante na sua sensualidade. Por vezes violento. Intratável na linguagem. Mas cúmplice como um amigo de copos e rixas. Lisboa, como diz a canção, pode ser menina e moça. O Porto, pelo contrário, é muito homem. O Porto é um gajo porreiro. E um daqueles gajos que nunca deixa de me apaixonar. Só queria poder andar de bicicleta - com espaço, sem medos.

Peço desculpa pela dimensão do texto (males de quem não tem um outro blog para divagar...). Para parecer que este post tem algo a ver com cinema, deixo fotos da Cinemateca Dinamarquesa, em Copenhaga, e Norueguesa, em Oslo.

Quanto ao nosso Cineclube, esperem novidades em breve e uma programação de arromba para este semestre!

brigitte bardot em le mépris.
jean-luc godard

Há coisas inacreditáveis.

Segunda-feira, dia 30 de Julho, morre Ingmar Bergman, em casa, na pequena ilha sueca de "Faro", onde havia vivido os seus últimos anos em isolamento. Tinha 89 anos.

Poucas horas mais tarde, no mesmo dia, morre Michelangelo Antonioni, na sua residência em Roma. Tinha 94 anos.

Antonioni começou a sua carreira integrado no movimento Neorealista italiano, contudo, cedo divergiu, criando o seu próprio estilo, centrado em temas filosóficos e existencialistas. Anti-moralista, filmava ao sabor dos seus instintos e com uma espontaneidade única:

"When I am shooting a film I never think of how I want to shoot something; I simply shoot it. My technique, which differs from film to film, is wholly instinctive and never based on prior considerations. (...) I am not a theoretician of the cinema. If you ask me what directing is, the first answer that comes into my head is: I don't know. The second: All my opinions on the subject are in my films."

Entre as largas dezenas de filmes que realizou, escreveu, produziu e editou, destacamos "L´Avventura" (1960), "La Notte" (1961), "L´Eclisse" (1962), "Il Deserto Rosso" (1964), "Blow-Up" (1966), "Zabriskie Point" (1970), "The Passenger" (1975), "Il mistero di Oberwald" (1981), e "Identificazione di una Donna" (1982).

O Cineclube presta, mais uma vez, a sua homenagem a dois dos maiores realizadores vivos, que num tão curto espaço de tempo nos deixaram. A sua memória e o legado incomparável das suas obras permanecerá, infinitamente, revisitado. Faremos por isso.

morreu ingmar bergman.o cineclube presta a sua homenagem.

a vida secreta das palavras

isabel coixet

Acerca do cineclube

Caros cineclubistas, como devem ter reparado a actividade no blog (e obviamente na faculdade) decresceu bastante, o que se prende com a famosa época de exames que (ainda) se vive.
De qualquer forma, o cineclube e os seus incansáveis directores mantêm o trabalho, pelo que temos uma mão cheia de projectos novos para o arranque do novo ano, e nos encontramos de momento em reuniões para balanço do ano lectivo que agora se encerra para rapidamente começarmos os trabalhos do novo ano. Aí sim, recomeçará a actividade completa do cineclube, onde iremos preparar as listas de filmes, o espaço, os requerimentos (gui...) e as inovações que surgirão futuramente.
Resta relembrar que a DVDTECA continua disponível para alunos e professores da faculdade, desde que a biblioteca também permaneça aberta.

my life without me

de isabel coixet

parabéns ao sr. director blanc :)






beijinhos, abraços... e muitos mais dias destes ;)

**

mais uma vez são esperados os bitaites. a meu ver é mais um conceito a ser aproveitado pelas novas vagas cinematográficas. o meu gato está disponível. :)

manamana...

por falar em filmes menos sérios, aqui está um conceito a importar para cenas musicais, de uma nova vaga cinematográfica.requer-se o bitaite do nuno e de todos no sentido de se averiguar as potencialidades deste modelo.

O cinema nem só de filmes sérios se faz, e como tal venho introduzir uma cena simplesmente hilariante, que destrói todas as concepções que temos desde crianças das histórias que nos contaram. Falo claro, do grandioso SHREK, que apenas há uns dias tive a oportunidade de ver o primeiro filme da série.
Não me interessa aqui apresentar um trailer ou uma crítica, mas simplesmente a fantástica cena de estalada entre a Branca de Neve e a Cinderella (se não estou em erro). Ora então, no excerto abaixo estejam atentos ao tempo 1:33seg., e observem a mestria, o maravilhoso e contundente chapadão que é desferido na cara da Branca de Neve. Muito, muito bom, hilariante, e deixou-me a rir sozinho durante 2 dias. Não tenho mais palavras minhas senhores e meus senhores, 1:33 e seguintes.

Para quem conhece Marrocos, este filme começa logo por evocar poderosamente o que resulta desse ambiente único e exótico. Em especial, o espectador é catapultado para a labiríntica Marraquexe, sente-se uma vez mais deslumbrado com a fabulosa Praça Djemaa el Fna e as reviravoltas do enredo produzem-se no meio de uma assombrosa sinestesia.

A história contada é a de um inocente casal americano de férias em Marrocos, Ben McKenna (James Stewart), a mulher Jo (Doris Day) e o filho Hank (Christopher Olsen). Ben conhece o agente secreto Louis Bernard (Daniel Gélin), que é assassinado num dos típicos souks marroquinos – aparecendo aliás o realizador Hitchcock de costas para a câmara assistindo à actuação de acrobatas, pouco antes do assassinato. Contudo, antes de morrer, Bernard revela a Ben os planos acerca de um assassínio que vai acontecer em Londres. Os McKenna vêem-se assim inopinadamente envolvidos numa conspiração internacional e o seu filho é raptado, com o objectivo de os chantagear. Esta circunstância vem a implicar que interrompam as férias para viajar até Londres, onde se desenrola depois a acção principal.

A banda sonora singular – a canção “Que sera, sera” veio mesmo a ganhar o Óscar de Melhor Canção Original -, o clássico Jimmy Stewart e uma Doris Day em contexto diferente do usual servem o contar da história, que culmina com o memorável final no Albert Hall em que cerca de doze minutos de silêncio suportam o suspense do realizador e provocam acentuada taquicardia ao espectador. A leitura do filme é então completa: o címbalo final é o mesmo que ecoa, ainda esquecido, no início do filme, como sinal de anúncio da mudança iminente da pacatez da vida daquela família.

Diga-se ainda que a versão de 1956 corresponde a um remake do filme original da década de 30. Tal como a primeira versão, o remake baseou-se num conto escrito por Charles Bennett e D.B. Windham Lewis, mas o argumento foi escrito por John Michael Hayes, com quem Hitchcock trabalhou em Janela Indiscreta e O Terceiro Tiro. O realizador apenas impôs uma condição a Hayes: não ver a versão de 1934. - O Homem Que Sabia Demais esteve inacessível ao público em geral durante décadas. Isto porque Hitchcock comprou os direitos de 5 dos seus filmes, para os deixar como legado à filha, Patrícia. Estes filmes receberam foram designados como "os 5 filmes perdidos de Hitchcock" e só voltaram a estar novamente ao alcance do público em 1984, quando foram relançados nos cinemas, com uma distância de quase 40 anos desde o seu primeiro Visionamento. Os demais filmes do pacote eram Festim Diabólico (1954), Janela Indiscreta (1954), Um Corpo Que Cai (1958) e O Terceiro Tiro (1955).

indigenes

ficha técnica

realizador: rachid bouchareb

argumento: rachid bouchareb & olivier lorelle

fotografia: patrick blossier

banda sonora: armand amar

elenco:
said: jamel debbouze; yassir: samy naceri; messaoud: roschdy zem; abdelkader: sami bouajila; martinez: bernard blancan

O FILME

A APRESENTAÇÃO

Tarantino é um realizador, no mínimo, controverso. Para uns é excelente, para outros é mais um no universo do cinema. Uma coisa é certa, até se ver este filme, ninguém consegue avaliar correctamente a sua obra.

Ele escreve, realiza e actua neste filme, onde se incluem Harvey Keitel (que ajudou a financiar o filme), Michael Madsen, Steve Buscemi, Tim Roth, entre outros.

Basicamente temos um filme com um punhado de personagens, gangsters, cenários que se contam pelos dedos de uma mão e numerosos flashbacks que nos vão contando um dos assaltos mais famosos, e falhados, do cinema, num clima de tensão e violência incríveis e crescentes, com uma pequena pausa para respiração… até voltar de novo com mais força.

É um filme de culto, categorizado como extremamente violento, chegando a ser proibido por algum tempo no Reino Unido, com um pouco de humor negro que também está patente em Pulp Fiction, e de onde saíram algumas das frases mais famosas do cinema, aproveitadas inclusive para músicas, como Scooby Snacks dos Fun Lovin’ Criminals, e numerosas referências em outros filmes. É ainda deliciosa, e sinistra, a banda sonora escolhida pelo realizador, que nos alegra e perturba ao mesmo tempo, dado a intensidade das imagens.

Algumas curiosidades apenas:

- O orçamento deste filme foi tão baixo que a maioria dos actores usa o seu próprio guarda-roupa, como Christopher Penn e Steve Buscemi, e a estilista ofereceu os fatos usados no assalto por ser fã do género de filme.

- Madonna é mencionada no filme e acabou por oferecer a Tarantino uma cópia de um álbum seu, com uma dedicatória... no mínimo especial.

- Paramédicos estiveram presentes nas gravações para assegurar a veracidade dos ferimentos de armas.

- A certa altura voa um balão no ecrã, que é dado pelo realizador como uma coincidência mas que evidencia a resposta da grande questão do filme.

- O rascunho do guião foi escrito em pouco mais de 3 semanas.

Finalizando, é um filme surpreendente cheio de pormenores incríveis escondidos, onde praticamente tudo é pensado e tem uma finalidade. As cenas criam um nó no estômago dos espectadores, em tensão todo o filme presos a uma das mais incríveis histórias de gangsters modernos, e implacáveis.

A ÚLTIMA SESSÃO . TERÇA . NO MESMO LOCAL . À HORA DE SEMPRE .

APRESENTAÇÃO DO FILME : REINALDO CORREIA

Esta terça-feira, o Cineclube apresenta "The man who knew too much", the Alfred Hitchcock.

trailer do filme



INTRODUÇÃO AO FILME E TEXTO CRÍTICO:
PROFESSORA LUÍSA NETO

Henry Fonda em As Vinhas da Ira, de John Ford

Este domingo, em Serralves

// Esta terça-feira, dia 17 de Abril, Fahrenheit de François Truffaut //

The Seventh Seal

Tendo como pano de fundo uma pestilenta Idade Média, The Seventh Seal de Ingmar Bergman, obra-prima que celebra este ano o seu cinquentenário, é um filme negro, obscuro, centrado na temática da Morte, e da sua inevitabilidade.
“Quando o Cordeiro quebrou o sétimo selo, fez-se no céu silêncio cerca de meia hora.”, é nesta passagem do Apocalipse de João, no Novo Testamento, que o filme encontra o seu titulo. Apesar da divindade do título e tema, todo o filme está envolto numa grande dúvida teológica e num certo ateísmo, tão característico da revolucionária Europa de 50.
Durante todo o filme, Deus e o poder divino, representados pela inquisitória Igreja medieval e pela crença popular, são postos em causa, sendo o seu valor e importância fortemente questionados.
Caracterizado por um ambiente escuro, o filme transporta-nos numa arrepiante viagem à intolerante época medieval, onde Vida e Morte, Bem e o Mal, lutam pela alma do Homem.
Com uma realização espectacular e uma fotografia perfeita, repleta de contrastes arrebatadores, The Seventh Seal consegue recriar todo o ambiente horroroso da tumultuosa Idade Média.
A juntar à bem conseguida realização de Bergman, devemos acrescentar as memoráveis interpretações de Max von Sydow, Bengt Ekerot, e Gunnar Bjõrnstrand.
O primeiro, famoso pelas suas interpretações em The Exorcist, Dune e Minority Report, interpreta o valente cavaleiro Antonius Block, marcado pelas Cruzadas e agora, no regresso a casa, repleto de dúvidas e sede de Saber. Toda a história gira em torno de um macabro e decisivo jogo de xadrez entre este e a Morte. A Morte, interpretada pelo segundo, é vista como o traiçoeiro Nemesis de Block.
O último interpreta Jõns, o fiel escudeiro de Block, e eloquente portador da Razão.
Apesar do filme estar permanentemente envolto em melancolia, Ingmar Bergman presenteia o espectador com suaves tiradas de puro e simples humor, capaz de por momentos fazer esquecer a índole do filme, e o previsível final macabro.
Em toda a sua simplicidade, tão característica de Bergman, The Seventh Seal é uma obra-prima de grande valor artístico.

Texto critico de Guilherme Silva.

fur – um retrato imaginário de diane arbus

nunca percebi porque me dizem tanto as biografias, talvez por pensar que tudo seria diferente se soubéssemos a génese global das pessoas que nos dizem muito. o que as tocou, o que as sensibilizou, porque foram por aqui e não por ali.
o trabalho de diane arbus não só me toca de uma forma especial, como está subjacente a tudo aquilo que fui construindo à volta do papel da fotografia no meu mundo. as balizas, os contornos.
gosto de ver as biografias materializadas em alguém,dá-me uma espécie de sossego.
fur – um retrato imaginário de diane arbus preencheu-me ainda mais, porque é primeiro um tributo e só depois uma possível imagem de uma biografia.
não tem relevância que tenha sido ou não assim, interessa que foi a forma como aquela pessoa (o realizador, neste caso) a viu, a questionou. é apenas a versão dele, conseguindo-nos expressar a admiração e proximidade que sentia. sei que precisava de a ver corporalizada pelos olhos de outra pessoa que não eu. soube-me bem.

o argumento é tão imbrincado num conjunto de pormenores que nos faz entrar por múltiplas janelas, querer lá estar, observar com binóculos a janela, em frente. janelas, sim, mas portas também. portas pesadas com puxadores elaborados. portas essas que nos assustam sem nos impelir a não espreitar, a recuar. lançam-nos para os nossos medos mais leves.

é um retrato imaginário, sim, com fantasia e figurações reais. a bela e o monstro. elementos teatrais, figurinos ricos a contrastar com a linearidade de um estudo fotográfico e a dureza bela da filmagem.
posso definir o filme como uma proposta, e é-o a todo o tempo. ritmos diferentes acompanhados pela música certa em cada toque, um olhar diferente para o que está á nossa volta e nos recônditos daquilo que são incognoscíveis preconceitos, as cenas estão no seu ângulo mais perfeito, mais simples mas com uma estiticidade megalómana que ali faz sentido . um vestido de azul por rendas de sentimentos que ora crescem, ora desabam.
é bom pensar que o desabrochar de diane (se é que o houve) poderia ter sido assim.

(lembro-me da linhas incertas das unhas, da insegurança tremida na voz, do salto para o novo mundo, da voz quente escondida num manto de pelo, das águas por nadar, das oscilações decididas, das saídas fortuitas, assomadas, até. dos toques crus, das imagens menos fáceis, da necessidade de ouvir um segredo. entrar no mar e sentir a que sabe o toque virgem, profundo, na pele e do alçapão... invertido de que saem as figuras disformes a desfilar diante os nossos olhos, fazendo-nos pular a curiosidade e olhar o insólito de frente ).

interpretação brilhante de nicole kidman quase magnânima, na exposição dura, de uma diane arbus conturbada, instável ainda que segura na sua intendência.
downey jr. encarna o grotesco e trabalha numa exclusiva dialéctica com a sua voz, numa pauta uníssona com a evolução e experiências entreabertas de diane. a sua interpretação é charmosa, não-grandiosa adequando-se à persona de lionel.
ty burrell tocou-me profundamente,com a complacência de allan arbus com o seu brilhantismo sintético.

uma fotografia em compasso com o enredo, sem cair no exibicionismo, de bill pope e uma centralização quase megalómana, em diane, oportuna.
a música é uma cigarra afinada, que constrói o clima consistente sem o esgotar.
não é um filme fácil, nem pretende sê-lo,como a maior parte das propostas, sobre a forma como vemos uma determinada pessoa, não são. é um retrato pelos olhos de shainberg, como ele adverte nos papiros, no início da fita.
vale mesmo a pena cobrirmo-nos com o nosso escudo de «pelos» e entrar por uma porta que espera um toque uma aceitação, para se abrir.

o trailer

ficha técnica

Título original: Fur - An Imaginary Portrait of Diane Arbus
Realizador: Steven Shainberg
Elenco: Nicole Kidman, Robert Downey Jr., Ty Burrell, Harris Yulin, Jane Alexander, Emmy Clarke, Genevieve McCarthy, Boris McGiver e Rochelle Davis
Argumento: Erin Cressida Wilson
Inspirado no livro de: Patricia Bosworth “Diane Arbus: A Biography”
Música de: Carter Burwell
Fotografia: Bill Pope

O Cineclube apresenta, esta terça-feira, um dos filmes mais marcantes da história da sétima arte:
O sétimo selo, de Ingmar Bergman.

o trailer do filme



a sinopse do filme

Prestando um verdadeiro serviço informativo para os mais desatentos, acho meu dever alertar para duas fantásticas promoções que decorrem na FNAC, quanto a mim imperdíveis para quem gosta de cinema. Voando sobre um ninho de cucos, de Milos Forman (1975), e o magnífico Goodfellas de Martin Scorsese (1990)... Aquele filme que perdeu um óscar para o Dança com Lobos... Até dói!

Ambos se encontram por aproximadamente €9. Eu aproveitei.

Half Nelson (Encurralados)
de Ryan Fleck, com Ryan Gosling e Shareeka Epps

21 de Março de 2007, 18.50h, UCI Arrábida Shopping: a única sessão do último dia de exibição de Half Nelson,um drama de Ryan Fleck, protagonizado por Ryan Gosling (nomeado para o Óscar de Melhor Actor pelo seu desempenho).
Inesperadamente, as duas pessoas que entram na sala depois de mim são a Xana e o Reinaldo - uma coincidência que transformou uma ida solitária ao cinema numa pseudo-reunião cineclubesca. Mas o que se segue são 106 minutos de um relato angustiante, coroado pelas belíssimas interpretações, bem como pela excelente banda sonora...

A imagem, turva e sombria, segue o ritmo alucinante do despero de Dan Dunne, um professor dividido entre a paixão pelo ensino, a revolta contra o sistema e o vício em crack. Para além das aulas de História, Dunne é igualmente treinador da equipa feminina de basquetebol do liceu. De facto, é após um jogo que é encontrado a drogar-se por uma aluna, Drey - e daí irá crescer uma invulgar amizade, alicerçada nas dificuldades do quotidiano de um bairro pobre, que se intensifica e fortalece a cada novo obstáculo.

O trabalho de Ryan Gosling é fabuloso - das expressões faciais ao modo de falar, revelou-se, quanto a mim, um actor extremamente versátil e seguramente merecedor da nomeação para os Óscares.

Half Nelson podia ser a estória do vizinho do lado: é vívida e assustadoramente real.



o trailer:

The wind that shakes the barley

















The wind that shakes the barley é o mais recente filme de Ken Loach, realizador britânico, nascido a 17 de Junho de 1936, vindo na linha das suas obras anteriores e assinado com o seu traço controverso de agitador de consciências. Loach, que tomou contacto com o mundo do espectáculo actuando no grupo de teatro da faculdade quando estudava Direito em Oxford, é um herdeiro do realismo social. Os anos 60, berço da sua vocação, consubstanciaram o ambiente propício à realização de programas que criticavam as injustiças sociais e é esse inconformismo que se torna a sua assinatura indistinta em toda a obra posterior, ainda que esta postura polémica lhe tenha praticamente paralisado a carreira durante uma década. Ao realismo foi beber a necessidade de conferir autenticidade às películas, socorrendo-se de recursos como a luz natural nas filmagens, o respeito por pronúncias e dialectos, a incorporação de dados estatísticos e imagens históricas, bem como todos os pormenores que tornam o filme credível às sensibilidades mais apuradas. Assim, os actores que desempenham papéis de irlandeses são oriundos da região de Cork, onde se desenrola a acção, e os actores que representam os soldados ingleses pertenceram – todos, sem excepção – ao exército britânico, tendo sido advertidos para usarem estritamente da agressividade exercida no contexto retratado. A fantasia tem um papel pouco preponderante no que se pretende ser um espelho de realidades amargas. O que Loach ambiciona é arrepiar a pele das audiências, chocá-las, mas não há gratuitidade na violência e no horror. A crítica que, sem pudor ou subtileza, vem escrita nos gestos e nos olhares que compõem este filme tem um sentido pedagógico: que se aprenda com o passado para que os mesmos erros não se cometam no presente. Embora o filme tenha sido laureado com a Palma de Ouro em Cannes, não foi bem recebido em Inglaterra, onde se levantaram vozes contra este britânico que não encobre as manchas na história do seu país. A realçar é o desempenho de Cillian Murphy, que já viramos o ano passado em Breakfast on Pluto, tendo participado anteriormente em filmes conhecidos do grande público, tais como Cold Mountain e Girl with a pearl earring. Mas foi 2005 o ano em que se notabilizou, chamando a atenção em Batman Begins e Red Eye. The wind that shakes the barley é o segundo filme histórico de Ken Loach, depois de Land and Freedom (1995), que se debruça sobre a guerra civil espanhola. Embora a guerra irlandesa pela independência já tivesse sido abordada pelo realizador em Hidden Agenda (1990), só em 2006 Loach abraça este fantasma. A canção tradicional irlandesa, de Robert Dwyer Joyce, que empresta o nome ao filme deixa antever o grito de revolta que é esta história feita de pessoas vulgares. Sabe a pó, a medo, ao fervilhar da revolta no sangue. É só ao que pode saber uma luta pela independência e ao cansaço de um caminho que a Irlanda vem trilhando desde sempre. É a história da guerra de Damien e Teddy O’Donnovan que, em 1920, vêem o governo britânico trair a escolha democrática irlandesa, mantendo o domínio sobre o país, embora este tivesse sido proclamado independente pelo governo de 1919, emerso da vitória do Sinn Féin nas eleições de 1918. É a história de todas as guerras que continuam a devastar vidas. Tendo como pano de fundo o testemunho histórico, o filme é uma narrativa sobre pessoas reais e os sentimentos que as movem. Despretensiosamente, prova-se o sabor dessa empatia que liga o realizador britânico a todos aqueles que não se acomodam às injustiças que sofrem. Loach procura rigorosamente a verdade e depura-a de todos os efeitos técnicos que nos poderiam afastar da única linguagem universal: os sentimentos. As personagens moldam-se aos acontecimentos e é nelas que habita o carisma do filme, na sua própria mudança, numa espécie de vulnerabilidade que, de tão humana, nos faz acreditar estarmos a espiar os momentos que pertenceram a outrem. Ken Loach é um romântico, desiludido com o poder do amor, desapaixonado por ideais que são traídos. Esta história sobre dois irmãos, envolvidos numa guerra que não tem heróis, transborda o seu tempo e o seu espaço e toca cada um de nós.

texto crítico de Samanta Dinis . Cineclube da Faculdade de Direito Up

«o véu pintado » é uma viagem surprendente por entre uma china longínqua e por um amor distante e sumptuoso sem esbater os contornos simples.
é uma marcha rica sobre os meandros dos pensamentos, sensações , e crenças de um povo.
é um vôo sobre aquilo que é o homem, nos seus espelhos distintos. é uma canção trauteada por entre um amor 'construído', de alicerces de areia que só não se esbatem na imensidão de um fim de mundo, ali, onde fazem mais sentido.
as interpretações de naomi watts e edward norton são de um brilhantismo invulgar, de uma notoriedade evidente, de uma riqueza pouco comum, de pequenos pormenores.
a fotografia preenche-nos as medidas, a todo o tempo, e faz-nos percorrer os campos húmidos, as chuvas quentes, os cenários de madeixas verdes.
a banda sonora de alexandre desplat (que muito justamente, a nosso ver, arrecadou o globo de ouro) leva-nos para um limbo de águas mescladas, de bambu e sonhos frustados que afloram de uma sombrinha aberta.
a realização é singela, completa, linear, sem cair na incompletude. é um véu pintado sobre imagens unas, sons diferentes, quadros quase perfeitos.

Ficha técnica
Título: O Véu Pintado
Título original:The Painted Veil
Realizador:John Curran
Elenco:Naomi Watts, Edward Norton, Liev Schreiber, Hélène Cardona, Sally Hawkins, Toby Jones, Diana Rigg, Linda Sans, Zoe Telford e Anthony Wong Chau-Sang
Banda Sonora: Alexandre Desplat

Fotografia:Stuart Dryburgh

o trailer do filme

Ainda no Cinema do Teatro do Campo Alegre, o filme vencedor do Oscar para melhor filme de língua estrangeira: Das Leben der Anderen // A Vida Dos Outros.

"Das Leben der Anderen destila humanismo.
A história começa em 1984. O muro, ainda, divide as duas Alemanhas, abafando aqueles que vivem na sociedade orweliana da parte dita democrática. Uma rede de informações é tecida por muitos (tantos!) cidadãos pacatos (estranhamente "normais") que se dedicam, submissa e acomodadamente, a ver, ouvir, e relatar todos os passos de vizinhos e companheiros de trabalho. A ler a vida dos outros, à procura de passagens dissonantes com a narrativa que o regime silenciosamente impunha, num texto ditado e que todos deviam repetir.
Com o incumprimento do dever que o vinculava face ao regime, liberta-se. Reganha a sua vida, recupera a sua humanidade. Conquista o seu direito à "Sonata para um homem bom".
E o filme podia ser só isto. Mas é muito mais. Deixa-nos muitos pontos para reflectir. Dele podemos tirar muitas lições para a sociedade controladora em que vivemos. Ensina-nos a estar de atalaia para novas formas de ditadura informacional que se vão instalando, a pouco e pouco."

texto de rtp . T&L

Esta semana o Cineclube apresenta The wind that shakes the barley, o filme galardoado com a Palma de Ouro na última edição do festival de cinema de Cannes. O seu realizador é o britânico Ken Loach.

o trailer do filme



a sinopse do filme

A segunda parte da nossa programação arranca na próxima terça-feira, dia 13 de Março.
Depois de uma primeira parte dedicada ao início da nova vaga francesa, às primeiras experiências neo-realistas em Itália, ao ofuscado muito embora brilhante policial francês de Clouzot e a um genial, desconcertante, punk e nihilista Naked, de Mike Leigh, avançamos para novos campos da cinematografia.
Agora com uma equipa alargada, a Organização do Cineclube continuará a cruzar épocas, estéticas e indústrias cinematográficas, propondo novos realizadores. Uns conhecidos de todos, outros nem tanto.
Começamos com um filme de 2006 que deu pela primeira vez a Ken Loach, realizador proprietário de uma vasta filmografia, a tão desejada Palma de Ouro em Cannes. O surreal Sétimo Selo, um dos exemplares da estética Noir mais geniais da história do Cinema, será o nosso segundo filme e fechará o mês de Março. Guardámos, novamente, espaço para um dos mentores da nouvelle vague, François Truffaut. Introduziremos a corrente independente americana dos anos 80 com um filme de Jarmusch, no qual participam Begnini e Tom Waits. Os filmes policiais estarão, de novo, bem representados no nosso cartaz, agora com uma película do grande mestre do género, Alfred Hitchcock. Acabaremos com um filme de gangsters, de culto para inúmeros cinéfilos e para tantos outros a película de eleição na filmografia de Tarantino.
A caminho dos 80 associados, o Cineclube da Faculdade de Direito do Porto inicia, deste modo, o seu segundo semestre de vida.
Muito obrigado a todos os nossos associados por terem abraçado este projecto. Até dia 13.

Eis mais um filme sobre um assunto que, por mais que se toque parece que nunca é suficiente. Mostra-se mais uma vez a realidade africana a que, infelizmente, já nos habituamos: lutas incessantes pelo poder com sanguinários na linha da frente. Felicitamos o intérprete de Amin, o galardoado com um óscar Forest Whitaker que, sem dúvida, mereceu o prémio. Uma interpretação fantástica num papel feito à sua medida, talvez a consagração esperada e merecida há muito tempo. Também se salienta o papel de James McAvoy, impecável a transmitir o espírito de um recém-licenciado médico nos anos 70.
Sem querer alongar muito, resta apontar a crítica: o filme em si, tanto a nível de realização como de fotografia nada tem de especial, muito pelo contrário. Os momentos de humor contrastam demasiado com a realidade que se apresenta, apesar de fieis às personagens.

Tratar-se-ia de um filme simplesmente médio, não fossem as interpretações referidas que fazem valer a pena o preço do bilhete de cinema.

A não perder nos próximos dias do Fantasporto:

dia 25
the red cockatoo . Dominik Graf . 19h15
isabella . Ho Cheung Pang . 21h15
dia26
sauve qui peut (la vie) . Godard . 17h15 (pequeno auditório)
andrei rubilev . Andrei Tarkovski . 23h15
dia 27
trois coleurs : blanc . Krzysztof Kieslowski . 21h15
dia 28
un franco, 14 pesetas . Carlos Iglesias . 15h
requiem . Hans-Christian Schmid . 21h30
dia 1
paprika . Satoshi Kon . 15h
12:08:east of bucharest . Corneliu Porumboiu . 21h30
dia 2
sept jours ailleurs . Marin Karmitz . 21h15 (pequeno auditódio)
dia 3
all we are saying . Rosanna Arquette . 12h30
the fountain . Darren Aronofsky . 21h15 (encerramento)

Uma boa oportunidade para quem não viu. No cinema do Teatro Campo Alegre, durante esta semana, mais um interessante filme da nova corrente indie americana.

O Cineclube da Faculdade de Direito da UP traduz-se num espaço de reunião em torno do cinema e de partilha de experiências cinematográficas. Paralelamente à funcão de divulgação da actividade e da programação do Clube, esta página tem como finalidade prosseguir os objectivos centrais deste projecto: a discussão, a crítica e a divulgação de peças cinematográficas. De um modo alargado e à sombra do Clube, dir-se-á que este blog consubstancia um espaço de aprendizagem conjunta, de carácter livre e de âmbito cultural. Apresentamos, nesta primeira intervenção, o nosso projecto.

Dentro em breve será anunciada a segunda parte da nossa programação, assim como a data prevista para a abertura da DVDteca, que terá lugar na biblioteca da Faculdade.
Sejam bem vindos.