Cineclube FDUP

é já hoje:

2012-01-26T13:00:00.003Z

O documentário vencedor do Doc. Lisboa 2011, Praxis (2011), de Bruno Cabral, estreia hoje na cidade do Porto. É às 22h, no cinema Passos Manuel. Pela mão da Milímetro.

she said it's ok

2012-01-14T13:45:00.005Z

Mais uma recriação que o rapper Blu faz de um filme (ou de excertos de) para um videoclip, desta vez com All That Jazz (1979), de Bob Fosse.
A música chama-se "She said it's ok" e faz parte de Give Me My Flowers While I Can Smell Them (2011), álbum composto por Blu e Exile (os Pete Rock & CL Smooth do século XXI).

Cursos na Aliança Francesa do Porto

2012-01-10T22:39:00.003Z

As inscrições ainda estão abertas! Para mais informações, vejam www.davidpinhobarros.com

"political solutions don't work"

2012-01-09T22:50:00.006Z

"Após a agitação política e cultural dos anos sessenta, que podia parecer ainda um investimento de massa da coisa pública, é uma desafecção generalizada que ostensivamente se afirma no social, tendo por corolário o refluir dos interesses no sentido de preocupações puramente pessoais e isto independentemente da crise económica. A despolitização e a dessindicalização ganham proporções nunca antes atingidas, a esperança revolucionária e a contestação estudantil desapareceram, a contra-cultura esgota-se, raras são as causas ainda capazes de galvanizarem a longo prazo as energias. A res publica encontra-se desvitalizada, as grandes questões «filosóficas», económicas, políticas ou militares suscitam mais ou menos a mesma curiosidade desenvolta que um qualquer fait divers; todos os «cumes» se abatem pouco a pouco, arrastados pela vasta operação de neutralização e banalização sociais. Só a esfera privada parece sair vitoriosa desta vaga de apatia; zelar pela própria saúde, preservar a sua situação material; perder os «complexos», esperar que cheguem as férias: viver sem ideal e sem fim transcendente tornou-se possível. Os filmes de Woody Allen e o sucesso que obtêm são o símbolo autêntico deste hiper-investimento do espaço privado; como o próprio Woody Allen o diz: «political solutions don't work» (...); sob muitos aspectos, esta fórmula traduz o novo espírito do tempo, este neo-narcisismo que nasce da deserdação do político. Fim do homo politicus e advento do homo psychologicus, à espreita do seu ser e do seu bem estar".

Gilles Lipovetsky, A Era do Vazio, Relógio d'Água, 1989, pp. 48-49.

2011-12-29T12:56:00.004Z

Não é que tenha achado por aí além o mais recente filme de G. Clooney, mas o que segue aqui abaixo (cujo texto original se encontra neste blog) não deixa de fazer sentido (não no que respeita à linha política da crítica, mas no resto):

"Há um aspecto curioso na crítica cinematográfica portuguesa que eu arrisco a chamar de mais “conservadora” e “direitista”, apesar de hoje em dia grande parte dela se poder integrar neste rótulo (ao contrário do que aconteceu nos tempos áureos da crítica, nos anos 50, 60 e 70, onde era maioritariamente “de esquerda” e dita “progressista”). Esse aspecto repete-se de filme para filme, quando estes tentam de alguma forma criticar, ou beliscar sequer, o sistema capitalista e as estruturas políticas norte-americanas ou de outros países de democracias ocidentais. Quando surge um filme destes, como o recente caso de “Nos Idos de Março”, a crítica mais insistente é que o título não traz nada de novo e se mostra uma repescagem do cinema “progressista” dos anos 70, de Sidney Lumet, de Martin Ritt, de Sidney Pollack ou Alan J. Pakula.
Curiosamente (e isto só é visível para quem já tenha uns anos destas lides e alguma memória, como é o meu caso), nos anos 70, não estes críticos, mas alguns outros idênticos a estes, diziam que os filmes de Sidney Lumet, de Martin Ritt, de Sidney Pollack ou Alan J. Pakula não traziam nada de novo e repescavam o cinema “progressista” dos anos 30 e 40, onde aí sim, havia John Ford, Frank Capra, William Wyller e quejandos. Ou seja, quando se problematizam questões sociais e poliíticas, o melhor é enxotar a obra e depreciá-la, sobretudo em função do passado, porque esse já parece não incomodar ninguém, encerrado em cinematecas para cinéfilos e curiosos, longe dos olhares do grande público".

Pós-Graduação em Gestão de Organizações sem Fins Lucrativos

2011-12-28T18:22:00.002Z

O fundador do Cineclube e nosso amigo Guilherme Blanc irá leccionar algumas matérias relacionadas com fundraising no terceiro sector, no âmbito da Pós-Graduação em Gestão de Organizações sem Fins Lucrativos, ministrada pela Business School da Universidade do Porto.

Para os interessados, aqui fica o link: http://www.egp-upbs.up.pt/?page_id=2108
As inscrições ainda estão abertas!

Ciclo "Música de Câmara"

2011-12-26T16:23:00.004Z

Novo ciclo da Milímetro, dedicado às interpenetrações entre Música e Cinema, nesta semana ainda em ritmo natalício. Às 22h, no Passos Manuel.

PROGRAMA COMPLETO:

27 e 28 de Dezembro
“Tempo of a restless soul”, de Manu Riche e Renaat Lambeets
Documentário sobre Tom Barman, vocalista dos dEUS. Estreia em Portugal.

29 de Dezembro
“Joy Division”, de Grant Gee
A história dos Joy Division, contada pelos antigos elementos da banda e pelas pessoas que mais de perto a acompanharam.

30 de Dezembro
“Ne change rien”, de Pedro Costa
Documentário intimista sobre a cantora e actriz Jeanne Balibar.

"PORTAS FECHADAS" (cartaz)

2011-12-19T16:03:00.001Z

mini-ciclo "PORTAS FECHADAS" (20 e 21 DEZ.)

2011-12-18T23:55:00.006Z

A Milímetro volta a exibir bom cinema português nesta terça e quarta feira (20 e 21 Dez.) no mini-ciclo "PORTAS FECHADAS", no Cinema Passos Manuel. Às 22h.

20 DEZ.
TRANSE" (2006), de Teresa Villaverde

21 Dez.
MAL NASCIDA" (2007), de João Canijo

os filmes que já vimos

2011-12-14T10:44:00.005Z

Foi bom, muito bom, termos ontem cerca de 30 cinéfilos, simpatizantes e amigos a ver bons filmes e a lancharem pelo meio, num ambiente descontraído e dialogante como desde sempre o Cineclube FDUP se propôs a ser.
Para nós, organização, significa, também, um retorno pelo trabalho que desenvolvemos, o qual, muitas das vezes, nos parece invisível. Portanto, e resumindo: muito obrigado por terem vindo, esperamos que tenham passado um bom bocado. O Cineclube FDUP vai continuar aí como pólo de divulgação cinematográfica para todos os que gostam de estar numa sala escura a ver - e vou plagiar o Bresson à descarada, ele não se importa - uma escrita com imagens em movimento e sons.

A programação deste semestre fica por aqui. Voltamos em Fevereiro... Até lá e bons filmes!

SESSÃO DUPLA - Aviso

2011-12-13T09:56:00.003Z

AVISO:
A sessão dupla de hoje, "OS FILMES QUE NÃO VIMOS EM 2011", vai ter lugar na sala 0.01 (piso do bar), e não na habitual 1.28.

Até lá!

SESSÃO DUPLA: "OS FILMES QUE NÃO VIMOS EM 2011"

2011-12-10T17:11:00.009Z

Design: Luísa Beato

Esta terça-feira, e em vésperas natalícias, o Cineclube FDUP despede-se para férias com uma sessão a pensar em todos aqueles que apoiam o clube de cinema mais antigo do panorama universitário.
"OS FILMES QUE NÃO VIMOS EM 2011" é o nome da sessão dupla em que serão exibidos "YOU, THE LIVING" (2007), de Roy Andersson e "ESSENTIAL KILLING" (2010), de Jerzy Skolimowsky. Dois filmes aclamados pela crítica, exibidos em tudo o que é festival e, ainda assim, com uma distribuição escassa no nosso país. Deste ponto de vista, os dois filmes são casos paradigmáticos, já que ambos nunca tiveram exibição comercial, no ano de 2011, na cidade do Porto, mas apenas em Lisboa.
Por isso, e num momento em que florescem na cidade nichos de divulgação cinematográfica, o que permite, de certo modo, suprir a paupérrima distribuição das salas de cinema do circuito comercial (com a excepção, vital, da Medeia Campo Alegre, e outros acasos pontuais), esta é uma boa oportunidade para vermos dois filmes de realizadores consagrados e com um percurso próprio no cinema.

Começaremos às 18h15, com "YOU, THE LIVING". Das 19h50 às 20h20, ofereceremos um pequeno lanche, ao que se seguirá a exibição do tão aguardado "ESSENTIAL KILLNG", que valeu a Skolimowsky e a Vincent Gallo os prémios de melhor filme e melhor actor, respectivamente, no Festival de Veneza deste ano.

Pedimos que quem desejar lanchar e confraternizar no intervalo dos filmes, nos envie um email para cineclubefdup@gmail.com , para que possamos organizar a logística da melhor forma.
De resto, estão todos convidados! Cinéfilos, simpatizantes, curiosos, amigos, amigos de amigos, familiares, estudantes, não-estudantes,... Venham todos, temos o maior gosto! Até lá!

próxima semana: SESSÃO DUPLA

2011-12-06T23:48:00.003Z

O Cineclube encerrou a sua programação regular deste semestre com "SUPER FLY".

Em breve, será anunciado o cartaz e os filmes da SESSÃO DUPLA (próxima terça-feira, dia 13) com que o Cineclube se despedirá para as férias de Natal. Estejam atentos!

6 Dez.: "SUPER FLY", de Gordon Parks Jr.

2011-12-05T13:09:00.006Z

Design: Luísa Beato

A programação regular do Cineclube encerra esta terça-feira, dia 6 de Dez., com o filme "SUPER FLY" (1972), de Gordon Parks Jr. É às 18.15, na sala 1.28.

"SUPER FLY" imortalizou a blaxploitation, género cinematográfico emergente nos anos 70, pouco tempo depois das lutas pelos civil rights, e das quais Martin Luther King foi, para toda a comunidade negra, um símbolo (e, também ele, imortal). "SUPER FLY" é o filme icónico, talvez mesmo "o" filme da blaxploitation (só com ele rivalizando "SHAFT", realizado um ano antes), ao condensar em si toda a "fúria de viver" de uma população recorrentemente marginalizada pelo classe dominante (a branca) de então. Com música de Curtis Mayfield, nome maior da soul e do funk norte-americanos (e, ele próprio, um activista pelos direitos civis), é este um filme-documento de uma época, de uma comunidade, de uma inteira civilização chamada América.

E, como já foi anunciado, para a semana haverá SESSÃO DUPLA! Em breve, divulgaremos cartaz. Estejam atentos!

Ciclo "FASSBINDER: TRILOGIA DO PÓS-GUERRA"

2011-11-29T12:22:00.002Z

O próximo ciclo da MILÍMETRO tem início já esta quarta-feira, 30 Nov., com "O CASAMENTO DE MARIA BAUN" (1979).
Às 22h, no Passos Manuel.

Crítica "O ESPELHO"

2011-11-22T22:23:00.005Z

Com duas dezenas de espectadores, "O ESPELHO" foi precedido de uma excelente apresentação introdutória da parte do Prof. Doutor Mário Graça Moura, certamente enriquecedora para todos os que assistiram à obra-prima de Andrei Tarkovsky.

A próxima sessão, que encerra a programação para este semestre, terá lugar no dia 8 de Dezembro, com o filme "SUPERFLY".
Mas os filmes não ficam por aqui!
Quase como uma oferenda natalícia, o Cineclube FDUP realizará uma especial sessão dupla, dia 13 de Dezembro (terça-feira), que contará, ainda, com um pequeno lanche entre os dois filmes (a anunciar brevemente). Será um momento não só para vermos bons filmes, mas também para todos aqueles que acarinham este projecto confraternizarem e trocarem impressões. Estejam atentos!

Aqui fica a crítica do Prof. Doutor Mário Graça Moura ao filme "O ESPELHO" (1975), de Tarkovsky.

CINECLUBE FDUP
SESSÃO 22 NOVEMBRO: "O ESPELHO" (1975), de Andrei Tarkovsky

Andrei Tarkovsky: O Espelho, Prof. Doutor Mário Graça Moura

‘O Espelho’ (1975) é a quarta das sete longas-metragens de Andrei Tarkovsky (1932-1986). Pensado nos anos 60, foi um projecto inicialmente rejeitado pela burocracia soviética. O filme acabaria por ser rodado na década seguinte mas, após o seu visionamento, as autoridades permitiram apenas uma distribuição limitada na URSS e proibiram a exibição no Festival de Cannes (no qual ‘Andrei Rubleev’ (1969) e ‘Solaris’ (1972) tinham sido premiados e ‘Stalker’ (1979), ‘Nostalgia’ (1983) e ‘O Sacrifício’ (1986) viriam a sê-lo). ‘O Espelho’ adquiriu entretanto a reputação de ser o filme mais pessoal – e talvez o mais difícil – de uma obra composta por filmes que não poderiam ter sido feitos por nenhum outro realizador e que são certamente exigentes.

Trata-se de facto, por maioria de razão, de um filme pessoal: baseia-se em acontecimentos reais, vividos pelo realizador e pela sua família. Por sua vez, a representação desses acontecimentos, passados em épocas diversas, é intercalada com a representação de sonhos – claramente sinalizados, no entanto – e com fragmentos de documentários; e a montagem obedece a um princípio de associação de ideias mais do que a uma lógica narrativa. Todavia, a estruturação com base em princípios que, como tem sido observado, remetem para a poesia é característica de outros filmes de Tarkovsky – filmes nos quais, como aqui, encontramos personagens e cenas misteriosas, que parecem resistir inclusivamente a uma interpretação simbólica. ‘O Espelho’ vai mais longe do que os outros filmes do realizador apenas na medida em que, como tem sido assinalado, constitui uma experiência de subjectividade total: os acontecimentos que compõem o filme são-nos apresentados tal como a mente do protagonista os recorda ou imagina. Significativamente, o protagonista (quando adulto) está sempre fora de campo.

Por outras palavras, ‘O Espelho’ é a memória que um homem tem da sua vida (e da vida da sua família) num momento de particular lucidez, em que parece ser capaz de ver ou entender o que antes não tinha visto ou entendido – e o filme está por isso montado de uma forma que reflecte o modo como a memória opera. Esse momento de particular lucidez é, aparentemente, o momento da sua morte, que constitui, como o próprio realizador viria a observar, o único elemento falso do filme – pois o homem em causa é, evidentemente, o próprio Tarkovsky. Para além de vermos o cartaz de ‘Andrei Rubleev’ a sugeri-lo, a mãe do protagonista (quando idosa) é a própria mãe do realizador – a voz do seu pai aparece igualmente, lendo os seus poemas – e grande parte do filme decorre numa casa que é uma réplica da casa da família do realizador, reconstruída no local onde essa casa existia.

A figuração da memória do protagonista apresenta um aspecto particularmente relevante. Há cinco personagens centrais: o protagonista, a sua mulher, o seu filho, a sua mãe e o seu pai, que no entanto está quase sempre ausente. Duas dessas personagens surgem-nos em várias fases da sua vida. Ora a actriz que representa a mulher do protagonista representa também a sua mãe quando jovem – há, aliás, um comentário da mulher sobre a sua parecença com a mãe do protagonista – e o actor que representa o protagonista quando adolescente representa também o seu filho. Por sua vez, a separação do protagonista e da sua mulher, e a dos seus pais, sugerem um paralelo entre aquele e o seu pai. As vidas de algumas personagens – na memória (lúcida) do protagonista – são portanto um espelho de outras vidas. É de resto através de espelhos que em certos momentos se passa do presente para o passado, ou para o sonho, e vice-versa.

Mas há ainda uma explicação adicional para o título do filme. Tarkovsky revelou que vários espectadores lhe disseram que tinham visto no filme a sua própria vida – o que, à primeira vista, é paradoxal, mesmo tratando-se de espectadores russos da mesma geração que o realizador. E no entanto não o é, porque o cinema, ou mais genericamente a arte, podem fazer-nos ver – e podem fazer com que nos vejamos a nós próprios – com uma lucidez particular, tal como sucede ao protagonista de ‘O Espelho’ no momento da sua morte; e essa lucidez pode levar-nos, mesmo estando longe do contexto histórico e geográfico do filme, a reconhecer nas vidas retratadas – que por sua vez espelham outras vidas – a nossa própria vida, passada ou futura. Não por acaso, ‘O Espelho’ começa com uma cena, que pode ser interpretada como uma metáfora do poder do cinema, em que um rapaz gago, através da hipnose, é curado e pode finalmente falar. E uma das sequências fundamentais do filme é um sonho, primeiro relatado e depois magnificamente figurado, sobre a impossibilidade de regressar à casa da infância, ou de recomeçar.

Como sempre em Tarkovsky, a atenção obsessiva ao movimento da câmara e ao som fazem de ‘O Espelho’ uma experiência visual e sonora de uma intensidade rara. Destacam-se, por exemplo, as imagens do vento – algumas criadas com a intervenção de helicópteros – e das gotas de água; ou o uso da luz nas cenas de interiores. Bruegel – de quem um quadro é recriado – e Leonardo da Vinci inspiram algumas das cenas. E o filme acaba com uma sequência verdadeiramente hipnótica, uma das duas ou três mais comoventes da obra do realizador, em que o pai do protagonista pergunta à mãe se prefere ter um filho ou uma filha, enquanto se ouve o início da ‘Paixão segundo S. João’, de J.S. Bach. Depois a mãe olha – por um momento, inclusivamente, olha para nós – e literalmente vemos com ela o sentido da sua vida.

22 Nov.: "O ESPELHO", de Andrei Tarkovsky

2011-11-20T22:40:00.005Z

Design: Luísa Beato

O Cineclube FDUP volta a animar o panorama universitário do Porto, desta feita com um dos filmes maiores de Andrei Tarkovsky - "O ESPELHO" (ZERKALO), de 1975. Filme onde, talvez mais do que em qualquer outro, o cineasta russo expõe, autobiograficamente, as suas reflexões em torno da memória, a infância e a nostalgia. Tudo isto acompanhado de um primor visual que no cinema de Tarkoksvy atinge, como é sabido, níveis superlativos.

A acrescer ao banquete, teremos a apresentação, que muito honra o Cineclube, do Prof. Doutor Mário Graça Moura (FEP), bem como uma crítica (escrita) da sua autoria.
Por isso, melhor era impossível: é já esta terça-feira, às 18h15 (e com direito a uma surpresa!)

Venham e tragam um amigo. Ate lá!

Zabriskie Point

2011-11-15T13:27:00.005Z

Fica aqui um comentário que escrevi, noutras paragens, a propósito da mais-que-famosa cena da explosão em Zabriskie Point (1970), de Michelangelo Antonioni.

"Explosões"

Entre tantas outras interpretações (suponho eu, não tive paciência para confirmar), há duas possíveis para um momento singular em Zabriskie Point. Falo, sem novidade, da sequência da explosão. Ora, há nela um instante (um plano, mais concretamente) muito especial. Depois de vermos tudo explodir (roupas, móveis, electrodomésticos ou, metaforica mas justamente, o poder, o dinheiro, o consumismo, o materialismo, enfim, o capitalismo), há um plano onde Antonioni filma a detonação de uma quantidade gigantesca de livros e calhamaços. Eis a dúvida: a literatura, o conhecimento, a... Cultura a explodir?

Há quem veja na explosão dos livros, como é o caso do inglês David Thomson, a destruição de bens que, mesmo não sendo materiais, não possuem um valor espiritual, interior, próprio. Donde, a inclusão da deflagração de todas aquelas páginas e palavras na explosão do tudo, i. e., do conjunto das coisas que não são realmente importantes para os homens: "the repeated explosion of the desert home - deprived of the violence by silence - speak for the helpless sterility of material things: not just of material goods, but the irrelevant accumulation of things that have no interior significance" (David Thomson, The New Biographical Dictionary of Film, Knopf, 2010, p. 28). É nestas things that have no interior significance que se encaixam os livros, a meu ver.

Todavia, e esta é a interpretação que eu faço, parece-me a mim, do que conheço da personalidade de Antonioni (um tipo muito fino, inteligente e anti-dogmático, nada dado a radicalismos fáceis) e do ambiente que impregna todo o filme (a contra-cultura americana dos anos 60 - seus clichés, fragilidades e antinomias -, que se cruza com o encontro de dois jovens, também eles, de certa forma, em contra-corrente com essa contra-cultura), que a explosão em causa (a dos livros, em concreto) pode ter um outro significado. Que é o de sugerir (em forma de pergunta) o seguinte: se mandarmos tudo (capitalismo, suas idiossincrasias e avatares) pelos ares, não destruímos, também, aquilo a que damos realmente valor?

Assim vistas as coisas, o filme de Antonioni (um homem de esquerda, é certo, mas sem se comprometer com ditames de espécie alguma na sua arte), acaba por ficar no meio de dois mundos. O mundo da juventude revolucionária, por um lado, cujas contradições movediças e debilidades internas são expostas (tal como fez Godard, em La Chinoise). E o mundo capitalista, este fortemente parodiado e criticado - pense-se, respectivamente, na cena em que os empresários visionam um anúncio publicitário ominoso, estupidificante, típico das sociedades de consumo; e na cena final, na casa prestes a explodir, em que os grandes planos fazem dos rostos dos empresários autênticos donos dos terrenos ("donos do mundo", desumanos e agarrados a cálculos económicos) simulados nas maquetes. E que meio-termo é esse?
É, justamente, aquele onde se situa um pensamento - político? - , uma concepção do mundo, que se interroga profundamente sobre fenómenos contestários de massa (a contra-cultura americana, de pendor acentuadamente esquerdista, no caso), mas que, simultaneamente, se furta terminantemente a aceitar um mundo onde o poder e o dinheiro comandem a vida. Ao filmar, primeiro, a explosão de bens materiais supérfluos, e, depois, livros (pensamentos, sentimentos, palavras, teorias), não está Antonioni a lembrar-nos o que, em parte, aconteceu na História? Não foram homens que, querendo sofregamente terminar com este ou aquele sistema, por projectarem nas suas cabeças um novo mundo, melhor e mais verdadeiro ("mudar o mundo", em português escorreito), acabaram por apagar tudo, inclusivamente aquilo que tinham por nobre?
É evidente que, neste contexto, o regime comunista da União Soviética assomará imediatamente às nossas cabeças, pois ele partiu da aversão de um conjunto de indivíduos a um sistema - o capitalista (tal como os jovens americanos da contra-cultura, embora com nuances fundamentais: logo à cabeça, a guerra do Vietnam, e, obviamente, a radical diferença entre os níveis de vida nos EUA dos anos 60 e os da Rússia czarista do início do séc XX). Contudo, parece-me, a leitura de Antonioni é mais abrangente: ela interpela e interroga toda e qualquer intenção destruidora (absolutizante, neste sentido), pois ela sempre correrá o risco de, eliminando o que de inútil - fútil, inane, materialista, etc. - considera viciar a humanidade, cair num subjectivismo total, o qual, em último termo, se reduz à censura e à repressão. E é aí, nesse preciso momento, que o que outrora se tinha por grandioso, sublime, assume um valor relativo e passa a poder ser objecto de eliminação, como se de um processo administrativo se tratasse. Por esse motivo é que livros, filmes e músicas extraordinárias, que hoje consideramos praticamente como património da humanidade, já foram, em tempos, destruídas, queimadas, apagadas da história (ou, pelo menos, foram feitas tentativas nesse sentido - felizmente, nunca com absoluto sucesso). Posta de outra maneira, a pergunta que fiz acima mantém o sentido original: onde começa e onde acaba o que é realmente importante para nós, homens? Quais os riscos (senão as certezas) de se tentar eliminar aquilo que, subjectivismos à parte, não tem realmente valor para as nossas vidas?

Não é por acaso que a explosão se passa no domínio da ficção, i.e., no domínio da imaginação de uma personagem (Daria), a qual, depois de rever, na sua cabeça, como seria, sorri e vai embora - e vai embora, quase diríamos, em paz com o mundo. Não é à toa, também, que a personagem em causa (a par da outra personagem, Mark) se situa à margem (ou, o que é o mesmo, no meio) desses dois mundos de que atrás falei. Daí a fuga, a evasão da realidade, e a procura de um outro mundo - o tal do deserto, momento demiúrgico de uma grandeza poética que não cabe em palavras -, mas este sim, verdadeiramente novo, onde todos teríamos que recomeçar do zero (areia, rochas e pouco mais) e apenas com o Amor como meio de nos relacionarmos e comunicarmos (onde o dinheiro e o poder, portanto, não estariam presentes para contaminar - introduzindo mecanismos artificiais diferenciadores e hierarquizantes - as relações humanas). Ou, nas palavras de David Thomson: "the prelude to a new society in which people regress to the primitive energy of desert creatures" (p. 27).

Ciclo de Animação, no CineFEUP

2011-11-14T11:29:00.003Z

Nem de propósito, quando ainda há pouco tempo o nosso Cineclube havia exibido um filme de animação ("MARY AND MAX", de Adam Elliot), o Cineclube da Faculdade de Engenharia da UP (CineFEUP) vem propôr um interessante ciclo dedicado exclusivamente ao cinema de animação.

Esta iniciativa aparece, note-se, numa altura em que o cineclubismo universitário se vem afirmando cada vez mais na cidade do Porto. A par do nosso Cineclube FDUP (o mais antigo no panorama universitário), o CineICBAS, CineFMUP e o CineFEUP asseguram, todos eles, uma programação regular e muito interessante. A mim, pessoalmente, dá-me uma enorme satisfação assistir a este movimento, não só pelo que de interventivo e cultural ele representa, mas, também, de uma perspectiva mais prática, pela quantidade de bons filmes que me permitem ver, em boas condições, e gratuitamente. Esperemos que estes projectos se mantenham de boa saúde por muito tempo!

Aqui fica um pouco mais sobre o ciclo de animação levado a cabo pelo CineFEUP:

CICLO DE ANIMAÇÃO

Do Rato Mickey ao Doraemon, desde tenra idade que nos habituamos à técnica da animação de imagens para simular situações que a realidade tantas vezes limita. Mas com o passar dos anos, esse mundo mágico vai perdendo aos poucos o seu encanto. Porquê? Não sabemos, nem é nosso interesse saber. A animação está viva e recomenda-se, dos mais novos aos mais velhos e só nos interessa demonstrá-lo.
Em pareceria com a Casa da Animação, o CineFEUP estreia a sua actividade deste ano lectivo com um ciclo dedicado a esta técnica na sétima arte, prometendo trazer de volta o interesse de todos. Durante o mês de Novembro exibiremos semanalmente, às Terças, uma curta metragem nacional com apresentação pela Casa da Animação, seguido de uma longa de culto, cobrindo várias técnicas, do stop-motion ao Flash.

15 de Novembro
Desassossego (2010), de Lorenzo degl'Innocenti
Corpse Bride (2005), de Tim Burton

22 de Novembro
Viagem a Cabo Verde (2010), de José Miguel Ribeiro
Spirited Away (2001), de Hayao Miyazaki

29 de Novembro
O Homem da Cabeça de Papelão (2010), de Luís da Matta Almeida e Pedro Lino
Waltz With Bashir (2008), de Ari Folman

Todas as sessões se realizam às 21:00 na sala B003 da FEUP e têm entrada gratuita.

Mais detalhes do ciclo podem ser encontrados no nosso website:
http://www.cinefeup.org/ciclodeanimacao.html

Bem como no evento do Facebook:
https://www.facebook.com/event.php?eid=139143672858169

ciclo "TERRATREME"

2011-11-09T09:42:00.003Z

A Milímetro inicia hoje um novo ciclo com o filme "BAB SEBTA" (2008), de Pedro Pinho e Frederico Lobo.

Às quartas-feiras, pelas 22h, no Passos Manuel.

A Sombra dos Antepassados Esquecidos

2011-11-09T01:35:00.000Z

Sergei Parajanov, 1965

A beleza em estado de filme.

(O vídeo está dobrado em russo, mas é o único que se encontra com qualidade de imagem aceitável.)

Mary and Max

2011-11-09T01:26:00.001Z

Adam Elliot, 2009

Estamos na década de setenta. Mary Dinkle tem 8 anos e vive num subúrbio de Melbourne pintado a sépia. Nos tempos livres, o pai dedica-se à taxidermia, a mãe às chávenas de xerez, e Mary vê os Noblets com o seu galo de estimação enquanto sorve colheradas de leite condensado.

Do outro lado do oceano, Max Horovitz habita uma Nova Iorque cinzenta, mas à sua margem. Na sua meia-idade obesa e hipocondríaca, Max tem dificuldades em adaptar-se a uma cidade onde imperam os atropelos ambientais e os avanços sexuais, e encerra-se num mundo próprio, rodeado de Noblets -sim, também ele, e receitas hipercalóricas.

Um golpe do acaso fez com que Mary descobrisse a morada de Max numa lista telefónica e decidisse escrever-lhe, dando início a uma longa amizade por correspondência baseada na experiência do próprio autor do filme, Adam Elliot.

A voz de ambos (sendo que a de Max é especialmente bem interpretada por Philip Seymour Hoffman) só vive através das suas cartas - são raros os diálogos neste filme, e é nesta troca silenciosa de palavras que se aprofundam as duas personagens e se desenvolve a temática do filme. A abordagem da doença - Max sofre da síndrome de Asperger, como descobrimos mais tarde, da solidão, da (a)normalidade e, em último caso, da amizade, é feita frequentemente com mordacidade e sem ceder a moralismos - não sendo embora insensível, e é por causa desse tom que não se pode cometer a ingenuidade de confundir filmes de animação com filmes infantis.

Não significa isto que Mary and Max não nos suscite carinho. Além das personagens, a própria estética do filme é algo de especial. A sensação de que todos os elementos são cuidadosamente escolhidos não é absurda; esta animação foi construída através da técnica de "claymation", uma forma de stop-motion na qual todos os objectos são feitos à mão, a partir de barro ou plasticina, e fotografados frame a frame, para criar a ilusão de movimento (deste género são também conhecidos Wallace e Gromit, ou A Fuga das Galinhas). Desta tridimensionalidade sem linhas rectas resulta o seu aspecto algo descuidado, mas humano e envolvente - não há aqui qualquer trabalho digital.

É também de referir o salpicar constante de pequenas referências e apontamentos cómicos, contrastantes com o tom predominantemente pessimista do filme e escondidas em sítios tão improváveis como cartazes de sem-abrigo, t-shirts de personagens secundárias, ou mesmo lápides. Os toques de vermelho inseridos na Nova Iorque monocromática, por exemplo, foram inspirados na Lista de Schindler, do Steven Spielberg.

Esta é, afinal, uma história simples, e pode ser bem resumida pelos objectivos de vida de Max: a infância cristalizada nos bonecos dos Noblets, chocolate q.b. (então se forem cachorros...) e um amigo, de preferência não imaginário.

uma delícia

2011-11-08T23:50:00.003Z

Foi com "MARY AND MAX" (2009), de Adam Elliot, que o Cineclube FDUP apostou, pela primeira vez, no cinema de animação, audácia que foi devidamente recompensada pela doçura de um filme que, em tom de brincadeira, trata, com profundidade, de coisas sérias (e talvez seja esta, vejo agora, uma das pechas do filme - o facto de, através de uma estrutura formalmente imersa na fantasia e, justamente, na animação, se apegar, porventura em demasia, à realidade, às vidas e problemas dos homens reais, com todas as limitações criativas que daí advêm... Mas isto seria questão para desenvolver com tempo).
Em breve ficará aqui disponível a folha de sala com a crítica da Inês Viana.

Assim sendo, vemo-nos agora dia 22 de Novembro, com esse magnífico filme de Andrei Tarkovsky - "O ESPELHO" (1975).
Até lá!

Premiados passatempo "CINANIMA 2011"

2011-11-07T18:18:00.002Z

Aqui fica a lista dos premiados do passatempo "CINANIMA 2011". Os premiados deverão proceder ao levantamento do bilhete na bilheteira do local da sessão respectivo.

LISTA DE PREMIADOS PASSATEMPO CINECLUBE FDUP E CINANIMA 2011:

Guilherme Silva
Cristina Ramos Alves
Inês Merino
Diana Barra
Vanessa Carvalho
Ana Sofia Nico
Rita Carvalho
Teresa Chow
André Guerreiro
Tiago Parente
Graça Canto Moniz

8 Out.: "MARY AND MAX" (18h15)

2011-11-06T13:05:00.004Z

Design: Luísa Beato

O Cineclube retoma a sua programação já esta terça-feira, dia 8 Out., com o filme "MARY AND MAX" (2009), de Adam Elliot, naquela que é a primeira incursão do Cineclube pelo cinema de animação.
Na sala 1.28, às 18h15. Sorteio de um bilhete para cinemas UCI!

Apareçam e tragam um amigo! Até lá!

Passatempo "CINANIMA 2011"

2011-10-31T14:29:00.008Z

O Cineclube FDUP e o CINANIMA 2011 associam-se para a realização de um passatempo on-line, oferecendo 5 bilhetes para cada sessão não competitiva (conferir aqui) do 35º Festival Internacional de Cinema de Animação de Espinho, que terá lugar de 7 a 13 de Novembro. Aproveita!

Para ganhares um bilhete duplo, envia email para cineclubefdup@gmail.com com a resposta à seguinte pergunta:

Como se chamam e quantas são, no total, as secções a concurso no CINANIMA 2011?

A par da resposta correcta, os participantes deverão registar o seu nome e o do seu acompanhante, bem com o nome do filme/sessão pretendida. O mesmo participante pode solicitar bilhetes duplos para todas as sessões não competitivas que pretender. No caso de desejar assistir ao Cinanima 2011 sem acompanhante, basta inscrever o seu nome.

As respostas deverão ser dadas até ao final do dia 5 de Novembro, momento em que termina o passatempo.
Boa sorte!

Mais info em: http://cinanima.pt/2011/

Amarcord

2011-10-28T22:43:00.000+01:00

Federico Fellini, 1973

“A m’arcord” significa “eu recordo-me”, no dialecto da região italiana onde Fellini cresceu. Por isso dizem que é este o seu filme mais autobiográfico; mas ao contrário de outros filmes, como o 8 ½, em que observamos o balanço de toda uma vida, ou uma carreira, neste a nostalgia dilui a memória, e através da perspectiva adolescente – personificada em Titta, que estas recordações e fantasias se conjugam, conduzindo a narrativa de um modo surreal, etéreo, mágico, como toda a infância nos surge, quando a evocamos.

Esta lembrança tem lugar numa pequena aldeia costeira da Itália fascista dos anos 30, e remonta aos festejos da chegada da primavera; espera-se com bons augúrios o início do novo ciclo.

Começa assim o desfile: aqui, tudo é exaltação, festiva e quase circense, barulhenta e colorida, e é nesse caos desconcertante que nos movemos, como um carrossel que nos embala ao longo da história, com altos e baixos, mas nunca saindo verdadeiramente do seu eixo.

Sentamo-nos à mesa com a família de Titta, que embora roçando os limites da disfuncionalidade, não deixa de soar - e é exactamente essa a palavra - familiar.

Fazemos parte do seu grupo, seguimo-lo para a escola e sentimo-nos alunos; o rol de professores e respectivas manias não pode ser considerado menos do que hilariante.

Conhecemos os seus vizinhos. Volpina, o tio, o cego, o advogado, a Gradisca, a mulher da tabacaria, todos personagens caricaturais e improváveis dentro do tom hiperbólico que é recorrente no filme.

A denúncia do governo fascista também não passa despercebida, e muito menos cede a remorsos ou sentimentos de indignação; dando antes lugar, novamente, à ridicularização das situações, até ao absurdo - a famosa parada é o melhor exemplo disso mesmo.

Todo este folclore não implica, contudo, uma superficialidade da abordagem, ou falta de substância (os filmes do Kusturica demoram ainda uns anos a chegar); sente-se indiscutivelmente um sentimento de verdadeira afeição a tudo o que este bairro e os seus habitantes representam, como se de uma homenagem se tratasse, já para não falar daqueles momentos transcendentes de beleza - aqui a palavra-chave é pavão, e mais não digo.

Inês Viana

"Sangue do meu Sangue"

2011-10-25T23:55:00.005+01:00

Republico neste espaço, com alterações, a crítica que escrevi a propósito de "Sangue do meu Sangue", o mais recente filme de João Canijo.

Antes de tudo e mais alguma coisa, um aviso à navegação: nunca vi outro filme de João Canijo (ignorantia non excusat, bem sei, mas o adágio não me parece relevante para o que vou dizer nas linhas seguintes) e, portanto, não estou a par da sua carreira (a única coisa sua que me chegou foi um comentário, bem interessante por sinal, a um filme do Cassavetes, que vem naqueles "extras" dos dvds).
Agora vamos ao que interessa.

João Canijo filma muitíssimo bem, disso não há dúvida, e só esse facto já é razão para dar graças, tão pouco são os realizadores portugueses assim dotados (mesmo falando, por exemplo, de um João César Monteiro, de quem gosto muitíssimo, não se reconhece nele uma técnica e uma estética deste calibre). Não só naqueles planos "divididos", em que temos duas cenas a decorrer em simultâneo (o que é um estímulo quase "naturalista" à atenção do espectador, porque tantas vezes as coisas se passam assim no nosso quotidiano), mas também na forma pausada, reflexiva, com que deixa as imagens fluírem no plano. Toda a cena inicial, feita de travellings e panorâmicas demoradas (a da última cena lá no alto, antes de passar ao bairro, é fabulosa) e, de um certo modo, "documentaristas", é de uma mestria indubitável. Portanto, quanto a este capítulo, estamos conversados.

Depois vem a questão da representação. Apregoou-se por aí aos sete ventos que estaríamos perante uma interpretação fantabulástica, onde o trabalho de actores de Canijo - à Mike Leigh, segundo dizem: um processo complexo e semi-livre de construção de personagens, que resulta de um diálogo dialéctico realizador-actores, os quais dispõem de um espaço de auto-construção muito amplo, e onde predomina uma grande carga de improvisação - seria por demais evidente. Pois bem, não posso estar mais em desacordo. Rita Blanco é sim ou sopas: ou se gosta muito ou se detesta. Eu nunca gostei particularmente e, muito honestamente, ainda continuo a preferir vê-la na série "Conta-me como foi". De quem gostei, e que para mim foi uma revelação, foi de Anabela Moreira, essa sim, convicente e terrivelmente decadente no respectivo papel. Quanto ao resto, a coisa oscila entre o mediano (Cleia Almeida, Rafael Morais, Nuno Lopes) e o fraco (Francisco Tavares). Fora deste campeonato, está Marcello Urgeghe (o amante-senhordoutor-vilãozinho), a jogar claramente nos distritais. A sua interpretação é de tal forma má que nunca percebemos por que razão tudo o que lhe sai da boca parece declamado (vamos acreditar que isto não fez parte do tal espaço de "auto-construção"...) e, pior, vazio de sentido, o que é particularmente grave quando se repetem interminavelmente coisas como "amo-te, "amo-te tanto", "preciso de ti". Além do tom ridiculamente poético com que as diz (parecem banalidades de alguém melancólico que está a pedir um café ao balcão, e que acabou de ler Álvaro de Campos), não tem qualquer presença de espírito num filme em que a sua personagem é (ou devia ser) absolutamente central, e com isto já se vê um dos aspectos por onde o filme falha redondamente (diga-se, já agora, que as cenas de amor do casal não entusiasmam nem um bocadinho). Um autêntico fantasma durante todo o filme, uma não-personagem, um falhanço dos pés à cabeça. Se os diálogos - formalmente falando, porque, na substância, assemelham-se mais a solilóquios - com a sua amante já são o que são, é ainda mais confrangedor assistir às suas conversas com a esposa (uma Beatriz Batarda perfeitamente lateral, sem chama, um adereço simbólico para dizer que existe uma mulher, traída, que sofre).

Agora, a portugalidade.
É notório (não o podia ser mais) o interesse de João Canijo em documentar essa portugalidade século XXI - feia, porca e má - do nosso país e seu património cultural (é o "cultural" que temos). Nada contra isto, muito pelo contrário. A questão está na forma como isso pode ser feito. E Canijo fá-lo no formato mais "telenovesco" possível, o mesmo é dizer, do modo mais fácil, gratuito e imediatista. Será que é preciso bombardear o espectador durante quase três horas com posters do Tony Carreira a piscar o olho ao plano, música pimba, relatos de futebol (Cristiano e companhia) em voz "off" ou personagens com camisolas da selecção nacional vestidas? Não é, e fazê-lo só demonstra uma certa dificuldade em retratar um determinado tema com algo mais para além do superficial e do folhetinesco. Basta pensarmos em Teresa Villaverde ("Mutantes", uma obra que também incide sobre a juventude, a marginalidade e a falta de rumos) ou, para o chamar uma vez mais, João César Monteiro, para encontrar essa mesma portugalidade filmada, mas, desta feita, sem recorrer a estereótipos cristalizados. É que não o fazendo, e isto é fulcral para o entendimento do que aqui vai dito, o que ressalta é uma incomparavelmente maior genuinidade do objecto que se retrata, das suas idiossincrasias, seus tiques e vícios. Esse filme de Teresa Villaverde, ou a famosa triologia de João de Deus, de César Monteiro, captam, na perfeição, o nosso país e o que é "ser português" - ou alguém tem dúvidas? Está tudo lá, mas agora introduzido de forma sóbria, subtil, dando ao espectador menos a "ver" (como faz flagrantemente Canijo, que nos espeta pelos olhos adentro todas as marcas imagéticas da portugalidade) e mais a procurar, a reflectir, a (re)descobrir. O que também acaba por constituir, está bom de ver, um maior campo de liberdade (e de interesse, et por cause) para um espectador que não queira identificar tudo na primeira jogada (claro que só faz sentido falar nisto se estivermos a falar de um realizador-autor como João Canijo; para realizadores que fazem filmes por encomenda, esta questão nem se põe). Mas vou ainda mais longe e arrisco fazer a seguinte pergunta: de tão exacerbado que é o retrato do nosso portuguesismo (o tal bombardeamento de "etiquetas"), não sairá a própria realidade falseada? Eu penso que sim. Tenho quase a certeza que sim. Por circunstâncias várias que não interessam para aqui contar, tive e tenho contacto com muitas pessoas que podiam ser as deste filme, a viver ali, num bairro como aquele. E as coisas não são "tão" assim - a realidade portuguesa, a dos bairros sociais e das vidas que aí se cruzam, não é como João Canijo a descreve, ou, pelo menos, não é tão suja, tão porca e tão má. Isto poderá ser refutado - sim, existirão muitos lugares do país onde a vida é assim ou pior ainda. Mas, bem entendido, e é nesto contexto que digo isto, do que se está aqui a falar é de Cinema, na vertente de ficção. Não é uma reportagem televisiva nem um documentário propriamente dito. E o cinema-ficção, por mais realista que pretenda ser, deve saber tratar o seu objecto com distância e sobriedade, não caíndo na "etiquetização" fácil e agressiva de uma realidade social que é bem mais densa e complexa do que isso (logo à partida, tome-se a título de exemplo, é muito duvidoso que alguém naquela casa, pela sua idade e inserção socio-urbana, goste de Tony Carreira - e goste o suficiente para colocar um poster seu na parede de casa).

Como me disse a companhia com que fui ao cinema, o filme seria muito melhor se fosse mudo. É verdade. Mas concordar com isto não constitui, como pode parecer à primeira vista, qualquer sintoma patológico de aversão à fonética portuguesa cinematográfica - nada disso. O português que é falado nos filmes de tantos outros realizadores portugueses (Teresa Villaverde, César Monteiro, Pedro Costa ou Manoel de Oliveira) é, tanto quanto se saiba, exactamente o mesmo, e o problema não se coloca. O mudo funcionaria melhor tão-só pelas razões que atrás referi: Canijo filma bem, mesmo muito bem, daí que a força visual do filme (cenas de interiores e exteriores, actores, paisagem) resulte maculada pelo fraco desempenho na interpretação, a qual vive também, como é óbvio, da forma com os actores dizem o texto. E no dizer vai grande parte dos traços (psicológicos e físicos, até) da personagem que se interpreta...

Por fim, o argumento.
Atento o interesse primordial que subjaz ao filme de Canijo - o de documentar a tal portugalidade -, ele (argumento) não é, para o bem e para o mal, central na análise que se faça ao filme. Isto é: se o filme fosse uma obra-prima, o argumento, provavelmente, não era ponto de controvérsia; a não ser uma obra prima, o argumento também não releva por aí além, porque o que ressalta é a tal incapacidade (ou desvirtuamento, pelas razões que atrás ficaram expostas) do realizador em captar a realidade sociológica e cultural que pretende. Todavia, sempre se pode dizer, ainda assim, que, despido o filme do resto, o que sobra é uma argumento telenovesco, de trazer na algibeira, e cujo núcleo central (a relação adúltera) se conta em três ou quatro linhas, sem densidade nem nervo. Sim, está bem, há uma certa "surpresa", mas ela tem mais de estapafúrdia do que de excitante (gostava de dizer um pouco mais sobre isto, mas correria o risco de contar tudo, o que não interessa a quem ainda não viu o filme).

Por isto (e por tudo o mais que nos assalta quando estamos numa sala de cinema, mas que se nos escapa da memória teimosamente), é que fiquei tremendamente desiludido depois de ver "Sangue do meu Sangue". Até porque, nesse dia, levei comigo alguém a quem queria fazer crer as virtudes do (bom) cinema português. 1-0, estou a perder.

até já

2011-10-25T22:02:00.005+01:00

Com mais de 30 espectadores, o Cineclube repetiu uma sessão de sucesso com a exibição de "GRIZZLY MAN" (2005), de Werner Herzog, que contou com a prévia apresentação do José Miguel Mesquita.

Atento o feriado previsto para a próxima semana, o Cineclube faz uma mini-pausa e regressa aos vossos corações no dia 8 de Novembro, com "MARY AND MAX" (2009, Adam Elliot).
Até lá! Bons filmes.

próxima 3ª (25 Out.): "GRIZZLY MAN"

2011-10-22T13:20:00.003+01:00

Design: Luísa Beato

Depois de uma sessão inaugural muitíssimo concorrida, o Cineclube FDUP prossegue a sua programação com "GRIZZLY MAN" (2005), de Werner Herzog, naquela que é a primeira incursão do Cineclube pelo registo documental. Uma aposta, pois, a ser creditada pelos nossos espectadores.

É na próxima terça-feira, dia 25, na sala 1.28 (Anfiteatro), às 18h15. A apresentação estará a cargo do José Miguel Mesquita, nosso amigo e ex-director do Cineclube FDUP.
Haverá, ainda, sorteio de um bilhete para uma sessão nos cinemas UCI, aproveita!
Até lá!

fundido

2011-10-20T22:15:00.001+01:00

Les Anges du Péché (1943), Robert Bresson.

reentré

2011-10-19T00:35:00.006+01:00

A reentré do Cineclube foi um sucesso, com quase 50 (!) pessoas a assistirem a "Amarcord", de Federico Fellini, e à excelente apresentação introdutória do David Barros.

Mantenham-se ligados aqui, no blog, e no facebook, para estarem a par das sessões seguintes. Para quem quiser receber a newsletter, por favor envie email para cineclubefdup@gmail.com com a palavra "newsletter".

A próxima sessão é já para a semana, terça-feira (25 Out.), às 18h15, com "GRIZZLY MAN" (2005), de Werner Herzog. Agora sim, na sala 1.28.

Até lá!

primeira sessão: "AMARCORD", 18 Out, 18h15

2011-10-17T12:55:00.011+01:00

Design: Luísa Beato

Tem hoje início a nova programação do Cineclube FDUP!
A primeira sessão contará com a exibição de "AMARCORD", de Federico Fellini. A apresentação estará a cargo de David Pinho Barros, Mestre em Cinema Pela Universidade Nova de Lisboa.

IMPORTANTE: Excepcionalmente, a sessão de amanhã decorrerá na sala 0.01 (piso do bar), e não na habitual 1.28 (como consta do cartaz).

Se desejares receber a newsletter do Cineclube, onde daremos conta de todas as sessões com antecedência, envia email para cineclubefdup@gmail.com com a palavra "newsletter"!

Programação até Dezembro

2011-10-16T20:51:00.010+01:00

Design: Luísa Beato

Aí está a tão aguardada programação do Cineclube FDUP até Dezembro!

Como novidades para este semestre, o Cineclube FDUP aposta, pela primeira na sua história, em dois formatos fora da ficção: por um lado, o registo documental, com a exibição de GRIZZLY MAN, do alemão Werner Herzog; por outro, na Animação, o filme MARY AND MAX promoverá a estreia do género.

Paralelamente, o Cineclube prosseguirá o seu trilho na divulgação de diferentes estéticas e filmografias no campo da ficção. Fá-lo-á, desde logo, com dois realizadores absolutamente fundamentais: Fellini (AMACORD), em Itália, autor entre um tardo-neorealismo e uma subsequente exploração de universos oníricos e surrealistas; e Tarkovsky (O ESPELHO), na Rússia, um poeta das imagens que, como ninguém, construíu um cinema de autognose, contemplativo e esteticamente ímpar. A fechar, será a vez de SUPERFLY, filme-hino ao género "Blaxploitaition" que, nos anos 70, viria a reflectir toda a "fúria de viver" da comunidade negra dos EUA, uma década depois do movimento libertador dos civil rights. E, como cereja em cima do bolo, a banda-sonora: Curtis Mayfield a emprestar a soul toda ao filme de Gordon Parks Jr..

As sessões serão, como habitualmente, às 18h15, na sala 1.28 (em caso de alteração de sala, a mesma será anunciada com antecedência). Em cada sessão, será sorteado um bilhete para uma sessão nos cinemas UCI, aproveita!

Esta terça-feira, dia 18 Out., pelas 18h15, o Cineclube FDUP inaugura a sua programação com AMARCORD (1973), filme icónico de Federico Fellini. A apresentação estará a cargo de David Pinho Barros, Mestre em Cinema pela Universidade de Lisboa.

Até terça, venham e tragam um amigo!

PROGRAMAÇÃO COMPLETA:

18 Out.

Amarcord (1973), Federico Fellini

25 Out.

Grizzly Man (2005), Werner Herzog

8 Nov.

Mary and Max (2009), Adam Elliot

22 Nov.

O Espelho (1975), Andrey Tarkovsky

6 Dez.

Superfly (1972), Gordon Parks Jr.

O Cineclube está de volta!

2011-10-15T19:01:00.000+01:00

Como prometido, anunciamos o primeiro filme deste ano lectivo:

Amarcord (1973), de Federico Fellini

Vencedor do Óscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1975, Amarcord (cujo título deriva da expressão italiana "a m'arcord", e significa "eu recordo-me") é tido como o filme mais autobiográfico do realizador italiano, e considerado um dos seus melhores.

Passado na Itália fascista dos anos 30, Amarcord é o retrato de um bairro baseado na cidade-natal de Fellini, Rimini. Aqui, a memória mistura-se com a imaginação, resultando num desfile de momentos burlescos, hilariantes, mas também de grande beleza e sensibilidade. Exemplar do mundo fantástico que deu origem ao adjectivo "felliniano", este é um filme a não perder.

A sessão decorrerá no dia 18 de Outubro, terça-feira, às 18h15, no sala 0.01, e será apresentada por David Barros, Mestre em Cinema pela Universidade Nova de Lisboa.

Os restantes filmes do ciclo serão anunciados amanhã.

Apareçam!

hoje: "FAHRENHEIT 451" (21h45), na FAUP

2011-10-13T10:41:00.002+01:00

Tem hoje lugar a exibição de Fahrenheit 451 (1966), pelas 21h45, na Faculdade de Arquitectura da UP. Oportunidade para ver em tela um dos filmes maiores de François Truffaut.

amanhã: "AFTERSCHOOL" (22h), no Passos Manuel

2011-10-11T12:42:00.002+01:00

Depois de ter sido adiada por motivos técnicos, a exibição do filme "Afterschool" (2008), de Antonio Campos, terá lugar amanhã, no Passos Manuel, pelas 22h. Pela mão da Milímetro.

Cineclubistas de todo o mundo,

2011-10-10T23:43:00.002+01:00

Uni-vos!... Ou talvez não precisareis de tanto, já que a programação do Cineclube FDUP está quase, quase a voltar para mais um semestre de bom cinema.

Estejam atentos!

M, de memória

2011-10-05T18:26:00.011+01:00

É comum apontar-se a M (1931), de Fritz Lang, o tom profético da sua narrativa, no sentido em que o filme constitui um diagnóstico do estado "doente" em que se encontrava a Alemanha do pós-primeira guerra (e isso, do ponto de vista estético, é veiculado por todas as potencialidades estilísticas do expressionismo alemão), e, mais importante, pelo facto de antecipar o surgimento de um estado totalitário e totalizante, impiedoso, como foi o nazi.

Parece-me, no entanto, que M vai mais longe do que isso. Não minimizando essa visão das coisas (que está certíssima), a verdade é que o filme, tal como o livro 1984, de G. Orwell, é um ensaio sobre toda e qualquer forma de controlo social que se perfile de cariz totalitário e repressivo. Digo "toda e qualquer" porque ele (ensaio) não se confina à ideologia e praxis nazis; à esquerda ou à direita, M é um estudo profundo sobre o perigo de um modo de controlo social - qualquer que seja a filosofia que lhe esteja subjacente - do tipo "estado de alerta", em que cada cidadão deve estar de olho no vizinho de lado e, na dúvida, denunciar qualquer comportamento suspeito ou desviante - e isso é, também, uma forma do Estado conceder a cada cidadão uma espécie de uma fracção mínima da aplicação da Justiça, como que se a cada um pertencesse - administrativamente, como uma graça da Autoridade toda-poderosa... - uma pequena "justiça privada". M constitui, por assim dizer, uma análise de uma sociedade do tipo "Big Brother" (Orwell, uma vez mais), em que todos se observam e escutam uns aos outros, comportamentos que são motivados por uma agregação dos indivíduos (outrora isolados, fruto de um individualismo marcado) em torno de um (suposto) bem comum: no nazismo, o bem da "raça ariana" (ao qual corresponde a ameaça destruidora de toda e qualquer outra "raça"); no comunismo, o bem da classe proletária (cujo perigo reflexo reside no capitalismo e na exploração do homem pelo homem). Em M, filme de 1931, esse bem comum é a perservação do bem-estar e segurança da sociedade e a exclusão do assassino (como que uma pedra na engrenagem), o que é, retrospectivamente, uma alegoria do período anti-semita que a Alemanha viria a conhecer em breve.

Em termos cinematográficos propriamente ditos, além do negrume dos cenários e sua iluminação, o tom profético de que se fala é essencialmente captado pelas cenas de exteriores, na rua, em que os pedintes (contratados pelos mafiosos, que dirigem uma caça ao homem paralela à da polícia), distribuídos estrategicamente por vários pontos da cidade, e articulando-se por gestos e sinais, se revezam para apanhar o assassino. Estas cenas, de uma extrema tensão, filmadas em planos fixos e quase geométricos, são particularmente reveladoras do estado de hiper-vigilância de uma sociedade do tipo totalizante, em que qualquer um se torna suspeito à mínima ambiguidade (é o caso de um senhor que, erronaneamente, é confundido como sendo o assassino), e onde se introduzem nos indivíduos mecanismos psicológicos que os induzem a culpar, a qualquer momento, o alvo mais improvável, só por, digamos, "descargo de consciência": há necessidade de arranjar culpados, logo, culpa-se porque sim, e o mais rápido possível, espécie de auto-exorcização de fantasmas de uma comunidade urgente em se restabelecer. Mais evidente ainda é o "M", a giz, que um dos pedintes inscreve nas costas do suspeito, o que dificilmente não lembrará outra coisa que não a estrela judia que o regime nazi ordenou inscrever, a dada altura, em todos os estabelecimentos propriedade de judeus.

Mas e então nos nossos tempos ditos pós-modernos? A análise feita por Fritz Lang ainda poderá suscitar preocupação a alguém quando já não se discutem ideologias nem revoluções?
Penso que sim. Pelo menos, em duas direcções. Por um lado, porque é sabido como se têm vindo a acentuar, especialmente no mundo ocidental, os dispositivos de vigilância (sobretudo os de vídeo) no espaço público, o que já é aceite por muitos como "normal" ou "inevitável". Não que haja um "bem comum" de sabor ideológico que justifique esta aceitação; simplesmente, em nome da segurança (e fiquemo-nos pela segurança tout court, porque se nos debruçássemos sobre o terrorismo e suas implicações, nunca mais saíamos daqui...) e da perservação dos bens materiais do indivíduo, se acata, às vezes até de bom grado (!), que alguém nos esteja a ver enquanto passeamos ou conversamos com os nossos amigos numa rua da cidade.

Em segundo lugar, o estudo de Fritz Lang ainda nos é útil quando nos apercebemos das ressonâncias que ele provoca sempre que nos deparamos com o mundo mediático e televisivo dos dias de hoje. Claro que os reality show "não são" a realidade e que o que lá se passa é um espectáculo (paupérrimo, ressalve-se a genuinidade do termo em nome do teatro, do bailado, da ópera, etc.). Isso é verdade, mas tal não impede que o tipo de dinâmica veiculada por esses programas (o espectador/observador que vê e escuta o observado a seu bel-prazer, sem restrições de espécie alguma) acabe por legitimar, de um modo mais generalizado, uma (micro-)sociedade novamente do tipo "Big Brother", ainda que confinada à televisão, àqueles concorrentes e àquele público em concreto. É que isso não muda quase nada; apesar de ser um círculo mais pequeno de pessoas (mas são milhares, na verdade, os que assistem e, de comando na mão, controlam o rumo destes programas...), o que há a reter é o que de perverso isso promove na cabeça de cada um: que, sim senhor, podemos esquadrinhar o dia-a-dia dos nossos semelhantes , culpá-los do que quer que seja se for caso disso (porque, como "grandes irmãos" que vêem tudo que somos, temos a capacidade de julgar), apreciar as suas acções e, mais importante, "mantê-los" ou "expulsá-los" quando entendermos ser mais conveniente. Expulsá-los não da sociedade, do espaço público, é certo, mas de um domínio comum, ainda que "virtual".

No fundo, estes fenómenos como que operam uma "marcha-atrás" no nosso campo civilizacional: passados os tempos sombrios das ditaduras hiper-vigilantes, rejeitado o tipo de controlo social doentio que elas prescreviam, volta-se a entender ora como "normal" (para o recente aumento da video-vigilância no espaço público), ora como "divertido" ou "de entretenimento" (para os reality show e afins) que possamos saber tudo da vida dos outros.
Por isso é que o filme de Fritz Lang continua a ser tão vital e esclarecido. É que, já se sabe, o que não fica escrito (ou filmado, pintado, fotografado, etc.) tem tendência para... nunca ter existido. Maldita História.

amanhã: "PARANOID PARK", no Passos Manuel (22h)

2011-10-03T12:15:00.005+01:00

A Milímetro fecha amanhã, dia 4 Out., o ciclo "Back to Skool" com o filme "PARANOID PARK" (2007), de Gus Van Sant.

Às 22h, no cinema Passos Manuel.

a última ceia

2011-10-01T21:46:00.012+01:00

Viridiana (1961), Luis Buñuel.

Adenda:
É engraçado reparar que quem está ao centro - no original, como é sabido, Jesus Cristo - é, aqui, um dos pedintes, mais precisamente aquele que é... cego. A cegueira como virtude cristã, como modo de fazer justiça (a própria figura contemporânea da Justiça - que remonta à grega Diké - usa, como se sabe, uma venda sobre os olhos) sem olhar a categorias sociais e respectivas posses? Talvez seja uma visão demasiado idílica das coisas, ou não estivéssemos nós a falar de um homem como Buñuel... (o tal que disse: "Graças a Deus, sou ateu")

Adenda da adenda:
Outra proposta: procurando retratar a progressiva degradação da Igreja católica (seus valores e princípios), Buñuel filma os pobres - os esquecidos, os ignorados, os rejeitados, os mal-tratados por uma doutrina conspurcada pela conivência dos seus representantes com o poderio dos mais ricos (nobreza, primeiro; burguesia, depois). E filma-os com duas peculiaridades. Por um lado, com um plano de conjunto, fixo, cujo objecto é decalcado de A Última Ceia (Da Vinci), aspecto extremamente importante por duas razões: logo à partida, por ser um quadro icónico do imaginário cristão; depois, porque se trata da última refeição que Cristo toma com os seus discípulos (entre os quais se encontra Judas - o segundo a contar da direita -, o qual, perdoem-me a memória, não sei neste momento se é o que corresponde ao pedinte que no filme de Buñuel admite já ter traído um amigo, o que merece a reprovação dos restantes), antes de ser preso e crucificado. Também em Viridiana se trata da última refeição - já não a de Cristo (ou a do pedinte cego), mas a última daqueles pobres, pois ao serem surpreendidos com a chegada dos donos da casa, serão inevitalvemente expulsos.

A segunda peculiaridade prende-se com o facto de, sendo os "discípulos" aqui filmados os indigentes, os desgraçados, o cenário - de fausto, abundância, opulência - em que são enquadrados contrasta violentamente (diríamos mesmo: miseravelmente) com a sua condição. Donde a ideia de degradação por que começámos: luxúria (espaço), pobreza (homens), hipocrisia (doutrina cristã). A ideia ou tese de que uma doutrina, uma filosofia (a cristã) se desvirtuou, se enlameou em virtude do "esquecimento" a que os seus pregadores votaram as suas ideias originais ("puras", neste sentido) de amor ao próximo e solidariedade, trocando-as por ambições materialistas, de riqueza e ostentação. Chegados a este estado das coisas, Buñuel põe as coisas no seu lugar (ou de pernas para o ar, conforme a perspectiva...): é aos pobres, e já não aos privilegiados do costume, que cabe uma noite de abundância e de um pantagruélico prazer; e, por isso, é com regozijo (ou, pelo menos, foi para mim...) que assistimos a esta comovente cena: cena em que os pobres, ali reunidos, com todas as suas virtudes e defeitos (os mesmos que existem em todos nós, e esta é uma lição central do filme), se lambuzam com um magnífico banquete, como que ajustando contas com o mundo injusto em que se inserem, tão avesso aos valores cristãos que o regem (ou que regem concretamente aquele lugar, Espanha). Mas, como os pobres são pobres - expressão de um determinismo/fatalismo que Buñuel tanto evidencia neste filme, nomeadamente na cena em que Jorge compra o cão a um viandante -, essa noite é, apesar de tudo, a última. É, portanto, a primeira e a última...
Não serão presos no sentido propriamente dito, como Cristo, mas sim numa acepção metafórica: depois do banquete, descobertos pelos donos da casa, voltarão às ruas, à fome, à miséria - esta a sua prisão. E quem são os donos da casa, aqueles a quem compete manter tudo no sítio (numa certa ordem natural das coisas)? A resposta não podia ser mais óbvia: eles são Jorge (o burguês, filho bastardo de um rico proprietário) e Viridiana (a freira, representante da Igreja católica), ainda que esta última não seja classicamente alguém de dentro da igreja que trai os valores que apregoa, pelo menos no que toca a ambições materiais (já no que diz respeito à carne e à sexualidade, o filme carrega uma tensão - tão cara a Buñuel - que daria aso a um post dedicado exclusivamente a esse tema...).

"Wellcome"

2011-09-25T23:14:00.000+01:00

Depois do filme, tinha de ouvir a música. "California Dreamin", chamam-se ambos.

Ciclo "BACK TO SKOOL"

2011-09-19T13:21:00.003+01:00

Back to Skool é o nome do próximo ciclo da Milímetro, que tem início já esta quarta feira, dia 21, pelas 22h, no Passos Manuel, com o filme Afterschool (2008), de António Campos.

Programa completo:

21 Set
"Afterschool" (2008), António Campos

28 Set
"A Turma" (2008), Laurent Cantet

4 Out
"Paranoid Park" (2007), Gus Van Sant

o sexo mais forte

2011-09-15T21:30:00.001+01:00

Jane Greer em Out of the Past (1947), Jacques Torneur.

para ver ou rever

2011-09-13T18:15:00.007+01:00

Film Socialisme (2010), de Jean-Luc Godard.

É curioso como hoje em dia, no Porto, a extrema dificuldade que é a de poder ir ao cinema ver um filme de Jean-Luc Godard acabe, inversamente (perversamente...), por tornar o facto num acontecimento, num evento, num verdadeiro happening. É, de facto, paradigmático do estado das coisas das grandes distribuidoras que um filme de um dos maiores realizadores da história do cinema - e um dos grandes responsáveis pela construção (e desconstrução, diga-se ) e sistematização do Cinema como uma linguagem específica -, não mereça qualquer interesse daqueles (praticamente os únicos, no Porto - que perigo, hein?) que programam o que o público pode ver nos seus cinemas. Vicioso (para o público) e viciado, este parece um ciclo sem fim à vista.

Mas passando por cima disto, depois de já termos visto Film Socialisme em Serralves (muito a correr - duas míseras sessões), temos agora a oportunidade de voltar a assistir - é esta quinta-feira, às 22h, no Passos Manuel. Cortesia do Cineclube do Porto.

Curso de História do Cinema Francês (2)

2011-09-11T22:01:00.002+01:00

Mais info: post abaixo.

Curso de História do Cinema Francês

2011-09-10T18:55:00.002+01:00

Curso de Introdução à História do Cinema Francês, na Alliance Française do Porto.

Professor
David Pinho Barros, Mestre em cinema pela Universidade Nova de Lisboa

Duração
20 horas (10 sessões de duas horas, entre Outubro e Dezembro de 2011)

Língua
Português

Objectivos
O curso tem como objectivo proporcionar uma viagem pela História da cinematografia francesa, uma das mais ricas e influentes a nível
mundial, a qual, além de ter introduzido inovações técnicas fundamentais, como a máquina de filmar e projectar dos irmãos Lumière e os
efeitos especiais concebidos por Georges Méliès, viu nascer correntes e cineastas que deixaram legados estéticos de capital importância no
contexto da História da Cultura moderna e contemporânea. Além de visionados e analisados excertos de algumas das obras mais relevantes do
cinema feito em França, serão estudadas e debatidas as circunstâncias sociais, políticas e económicas que determinaram a criação fílmica no
país ao longo do século XX. As obras serão também confrontadas com a produção francesa noutros campos artísticos, da literatura à pintura,
bem como postas em relação com manifestações paralelas noutros contextos geográficos e sociais, como o Japão, a União Soviética, os
Estados Unidos e Portugal.

Conteúdos
1. Dos irmãos Lumière a Fantômas
Louis e Auguste Lumière (La Sortie des Usines Lumière ‐ 1895, L’Arroseur Arrosé ‐ 1895, L’Arrivé d’un Train à la Ciotat ‐ 1896),
Georges Méliès (Le Cauchemar ‐ 1896, L’Homme à la Tête en Caoutchouc ‐ 1901, Le Roi du Maquillage ‐ 1904), Gaston Velle (La Peine
du Talion ‐ 1914) e Louis Feuillade (Fantômas contre Fantômas ‐ 1914)

2. A idade de ouro do mudo e a primeira vanguarda
Jean Epstein (Coeur Fidèle ‐ 1923) e Marcel l’Herbier (L’Argent ‐ 1928)

3. Os provocadores e a segunda vanguarda
Fernand Léger e Dudley Murphy (Ballet Mécanique ‐ 1924), Marcel Duchamp (Anémic Cinema ‐ 1926), Dimitri Kirsanoff
(Ménilmontant ‐ 1926), Man Ray (Emak‐Bakia ‐ 1926), Luis Buñuel (Un Chien Andalou ‐ 1928) e Jean Vigo (À Propos de Nice ‐ 1930)

4. Dos princípios do sonoro ao realismo poético
Jacques Feyder (Le Grand Jeu ‐ 1934), Jean Renoir (Toni ‐ 1934) e Marcel Carné (Le Quai des Brumes ‐ 1938)

5. Os independentes
Jean Cocteau (La Belle et la Bête ‐ 1946), Jean Genet (Un Chant d’Amour ‐ 1950), Jacques Tati (Les Vacances de M. Hulot ‐ 1953) e
Robert Bresson (Pickpocket ‐ 1959)

6. O pós‐guerra
Jean‐Pierre Melville (Le Silence de la Mer ‐ 1949), Henri‐Georges Clouzot (Les Diaboliques ‐ 1955), Roger Vadim (Et Dieu… Créa la
Femme ‐ 1956), Jacques Demy (Les Parapluies de Cherbourg ‐ 1964) e Jean Rouch (Tourou et Bitti ‐ 1967)

7. A Nova Vaga
François Truffaut (Les Quatre Cents Coups ‐ 1959), Jean‐Luc Godard (Pierrot le Fou ‐ 1965) e Claude Chabrol (« La Muette » in Paris vu
par… ‐ 1965)

8. O experimentalismo nos anos 60
Chris Marker (La Jetée ‐ 1962), Alain Resnais (Muriel, ou le Temps d’un Retour ‐ 1963 e Agnès Varda (Le Bonheur ‐ 1965)

9. A palavra
Jacques Doillon (Un Sac de Billes ‐ 1975), Jean‐Paul Rappeneau (Le Sauvage ‐ 1975), Eric Rohmer (Pauline à la Plage ‐ 1983) e Maurice
Pialat (Sous le Soleil de Satan ‐ 1987)

10. Os novíssimos do cinema francês
Bruno Dumont (La Vie de Jésus ‐ 1997), Erick Zonca (La Vie Rêvée des Anges ‐ 1998) e Abdellatif Kechiche (La Graine et le Mulet ‐
2007)

Bibliografia resumida
BRESSON, Robert (1975), Notes sur le Cinématographe, Paris: Folio.
DRAZIN, Charles (2011), French Cinema, Nova Iorque: Faber & Faber.
JEANCOLAS, Jean‐Pierre (1995), Histoire du Cinéma Français, Paris: Armand Colin Cinéma.
PASSEK, Jean‐Loup (Dir.) (1995a), Dictionnaire du Cinéma A‐K, Paris: Larousse.
PASSEK, Jean‐Loup (Dir.) (1995b), Dictionnaire du Cinéma L‐Z, Paris: Larousse.
SADOUL, Georges (1965), Dictionnaire des Cinéastes, Paris: Microcosme / Éditions du Seuil.
TRUFFAUT, François (1987), Le Plaisir des Yeux, Paris: Flammarion.
VINCENDEAU, Ginette & GRAHAM, Peter (Ed.) (2009), The French New Wave: Critical Landmarks, Londres: BFI Publishing

hoje:

2011-09-08T13:48:00.002+01:00

Cega Paixão ("On Dangerous Ground", 1952), de Nicholas Ray, na Biblioteca Almeida Garret, às 18h30.

Setembro, no TCA

2011-09-05T19:28:00.006+01:00

A Medeia Filmes promete um programa entusiasmante para a rentrée deste mês de Setembro!
Tem início a partir de amanhã um ciclo dedicado à filmografia de Alain Resnais, um dos autores seminais da Nova Vaga francesa e um dos homens mais importantes da cinematografia contemporânea. Às terças-feiras, pelas 22h, no Teatro Campo Alegre.

Mas a coisa não fica por aqui. Paralelamente, decorrerá um outro ciclo centrado nas mais recentes produções romenas, que tanto furor têm causado entre a crítica, e das quais A Autobiografia de Nicolae Ceausescu (2011, de Andrei Ujica)é o último exemplo. O programa ainda não consta do sítio oficial da Medeia, mas já pode ser consultado no Teatro do Campo Alegre.

PROGRAMA CICLO ALAIN RESNAIS - "CINEMA ET MEMOIRE":

6 Setembro, 22h

HIROSHIMA MEU AMOR
Hiroshima mon amour
de Alain Resnais (1959) M/12

13 Setembro, 22h

O ÚLTIMO ANO EM MARIENBAD
L’Année dernière a Marienbad
de Alain Resnais (1961) M/12

20 Setembro, 22h

MURIEL OU O TEMPO DE UM REGRESSO
Muriel ou le temps d’un retour
de Alain Resnais (1963) M/12

27 Setembro, 22h

A GUERRA ACABOU
La Guerre est finie
de Alain Resnais (1966) M/12

4 Outubro, 22h

STAVISKY…
de Alain Resnais (1974) M/12

11 Outubro, 22h

4 CURTAS DE ALAIN RESNAIS + 1 CURTA EM COLABORAÇÃO COM CHRIS MARKER
GUERNICA (1950) + LES STATUES MEURENT AUSSI (1953) + NUIT ET BRUILLARD (1955) + TOUTE LA MÉMOIRE DU MONDE (1956) + LE CHANT DU STYRÈNE (1958) M/12

Alain Resnais e Jean-Paul Belmondo na rodagem de Stavisky (1974).

Premiados passatempo "Douro Film Harvest 2011"

2011-09-05T15:20:00.002+01:00

Chegou ao fim o passatempo "Douro Film Harvest 2011"! Aqui está a lista de premiados:

Pedro Ribeiro
Nuno Sousa
Ana Dias
Ricardo Leitão
Pedro Almeida Leitão
Luís Teixeira dos Santos
Joana Isabel Taveira Ferreira Neto
Cláudia Patrícia Neto
Margarida Correia

CONDIÇÕES:
•Os convites serão validados mediante apresentação do nome na bilheteira do local de exibição respectivo (não existem bilhetes "físicos").

•Os bilhetes não são válidos para as cerimónias de abertura e encerramento, sessões especiais, filmes-concerto e workshops.

•Não se efectuam trocas de bilhetes.

Bons filmes!

Passatempo "Douro Film Harvest"

2011-09-02T14:18:00.000+01:00

O CINECLUBE FDUP associa-se ao DOURO FILM HARVEST e oferece-te convites duplos para o Douro Film Festival! Participa até 5 setembro!

O DOURO FILM HARVEST, um evento organizado pelo Turismo do Douro e apoiado pelo Turismo de Portugal, apresenta-se como "plataforma cultural e enoturística", promovendo simultaneamente uma selecção de filmes premiados e a bela região do Douro vinhateiro, classificado pela UNESCO como Património da Humanidade.

A edição de 2011 decorrerá de 5 a 11 de Setembro, e é dedicada ao Brasil, e conta com a presença do realizador Carlos Diegues e do actor José Wilker. Além da programação regular, que inclui filmes como "Uma separação", de Asghar Farhadi, que recebeu o Urso de Ouro no Festival de

Berlim, "Las Acacias", "Chico & Rita" ou "A Árvore da Vida", haverá ainda uma retrospectiva do realizador português Manoel de Oliveira. A restante programação poderá ser consultada em dourofilmharvest.com.

Para ganhares um convite duplo para este festival, envia-nos um email para cineclubefdup@gmail.com com o teu nome e o do teu acompanhante.

Condições de participação:

1. Os convites são válidos para duas pessoas.

2. Indica no email as sessões a que gostarias de assistir, o dia respectivo e o nome do participante e acompanhante.

3. O mesmo participante poderá solicitar convites duplos para qualquer sessão.

4. O mesmo participante pode solicitar convites duplos para sessões diferentes do mesmo dia.

5. Excluem-se do passatempo as seguintes sessões especiais:

-ABERTURA EXPOSIÇÃO: "FADO" (Udia 5)
-A MORTE DE CARLOS GARDEL (dia 5)
-ISOLA WHERE BACCHUS' LANGUAGE IS SPOKEN (dia 6)
-O MAIOR AMOR DO MUNDO (dia 7)
-A CAÇA (dia 8)
-ACTO DA PRIMAVERA (dia 8)
-OS FALSIFICADORES (dia 8)
-SENNA (dia 9)
-MEIA-NOITE EM PARIS (dia 10)
-THE AGONY AND SWEAT OF HUMAN SPIRIT (dia 10)

6. O passatempo terminará dia 5 de Setembro (segunda), pelas 15h.

rentrée

2011-08-31T14:37:00.003+01:00

A partir de amanhã, o Medeia Teatro Campo Alegre retoma a sua (preciosa) actividade com o filme Vénus Negra (2010), o mais recente filme de Abdellatif Kechiche, o realizador de "A Esquiva" (2005) ou "Um Segredo de um Cuscuz" (2007).

Também amanhã, às 18h30, recomeça o ciclo "Do filme de gangsters ao filme negro", na biblioteca Almeida Garret, com a exibição de Os Filhos da Noite ("They Live by Night", 1949), de Nicholas Ray.

a grande ilusão

2011-08-15T13:29:00.002+01:00

Elle Fanning (actriz prometedora com quem já nos tínhamos supreendido em Somewhere, de Sofia Coppola) naquela que é, para mim, a melhor cena de Super 8 (2011), de J. J. Abrams.

(peço desculpa pela falta de qualidade do vídeo - .avi -, mas não se encontra melhor no mercado)

cinema português

2011-08-06T00:23:00.004+01:00

Para aprender e desmistificar - último número da Contrapicado.

Inês de Medeiros e Pedro Hestnes em Casa de Lava (1994), de Pedro Costa.

how to play chess

2011-08-05T21:05:00.002+01:00

The Wire (criada por David Simon), primeira temporada.

Charlie don't surf

2011-08-02T01:14:00.003+01:00

Bom velho Canal Hollywood.

Um filme que, ironicamente, começa com a The End, dos Doors, e nos oferece, ao longo das suas mais de três horas de cenários quer desoladores, quer belíssimos, (a chegada à aldeia de Kurtz, no fim da travessia de barco, é de morrer) imagens de surf, cachorrinhos, búfalos chacinados (esta cena é real), playmates com fetiche por pássaros, excertos de poesia, e o cheiro de napalm - pela manhã.

"I should have been a pair of ragged claws

Scuttling across the floors of silent seas."

Que ninguém diga que é só mais um filme de guerra.

sunglasses

2011-07-25T22:11:00.002+01:00

A deslumbrante Gena Rowlands em Minnie and Moskowitz (1971), de John Cassavetes.

toda a razão

2011-07-24T20:05:00.002+01:00

LMO, no Ípsilon (artigo completo - com o qual não concordo na totalidade - aqui):

"Como o dinheiro comanda a vida, também é daquelas raras alturas do ano em que um filme se faz "notícia": vem aí o Harry Potter, vem aí o Harry Potter, naquele misto de frenesi e indiferença com que os telejornais falam de tudo, a "saga mais lucrativa de sempre". Podiam dizer "a mais popular", "a mais querida", "a mais entusiasmante", mas não, dizem "a mais lucrativa". Miseravelmente remediados como somos, resta-nos ficar esmagados com tanta competência na bilheteira.

A talhe de foice, e para que se tenha uma noção das somas envolvidas: em 1937, com a Branca de Neve e os Sete Anões, Walt Disney precisou de um milhão e meio de dólares para influenciar o imaginário de todas as gerações futuras de todo o mundo; em 2011, a empresa sai mais cara: Harry Potter e os Talismãs da Morte: Parte 2 fez-se por 250 milhões de dólares. Rentabilizar isto não se faz de ânimo leve, exige estratégia e disciplina quase militares, recompensadas com seis mil milhões de dólares (números gerais da "saga").

Acontecimento económico, acontecimento empresarial, acontecimento jornalístico (por supuesto): não se contesta, mas nada disto é sinónimo de um acontecimento "crítico" nem mesmo, passe o palavrão, "cinéfilo"".

2011-07-23T00:30:00.001+01:00

Bad Lieutenant (1992), Abel Ferrara.

Quase chorei de alegria quando encontrei este fotograma.

2011-07-22T23:52:00.000+01:00

Repulsa (1965), Roman Polansky.

2011-07-14T22:39:00.003+01:00

O Sangue (1989), Pedro Costa.

Michael Glawogger

2011-07-12T17:34:00.008+01:00

Megacities, 1998

Workingman's Death, 2005

Hoje:

2011-07-12T16:07:00.005+01:00

Vamos continuar todos sem saber o que está na caixa... Belle de jour (1967), de Luis Buñuel, às 22h00, no Teatro do Campo Alegre.

2011-07-11T21:07:00.001+01:00

A Comédia de Deus (1995), João César Monteiro.

cinema na RTP2

2011-07-10T22:22:00.008+01:00

Embora nunca tenha por aqui (blog) dado eco ao que se vinha passando, fui um observador atento da iniciativa levada a cabo por alguns bloggers e cinéfilos relativamente à programação (ou falta dela, para dizer as coisas como elas são) da RTP2 no que toca a Cinema. Refiro-me concretamente ao programa "Sessão Dupla", que passa na RTP2 aos sábados à noite.
A questão, complexa - porque lida necessariamente com conceitos tão tortuosos como "serviço público" ou "cultura" -, continua a resumir-se, do ponto de vista exclusivamente "cinematográfico", chamemos-lhe assim, ao que Luís Mendonça escreve neste post (um balanço sobre os caminhos que a iniciativa tomou) obrigatório:

Este sábado, em sessão dupla, a esmola que Wemans ainda vai dando ao "público" da RTP2, passam os filmes "Excalibur" de John Boorman, seguido de "A Promessa" de Chen Kaige. O que os liga, o que é que os põe em diálogo? A lenda do rei Arthur encontra ressonâncias na história lendária da China das concubinas? É isso? São as espadas e os cavalos? É Boorman e Kaige?

Esta é a questão central; outras há, derivadas desta, que não vou expôr pois podem ser melhor compreendidas se lidas na petição pública em causa. Veja-se também o que foi escrito ou filmado (um debate com o próprio Jorge Wemans, responsável pela programação de cinema na RTP2) aqui.
Mas o que é mais preocupante nisto tudo é ficar a saber, pelo balanço negativo que Luís Mendonça faz no mesmo post, do total alheamento de entidades como a ERC (Entidade Reguladora para a Comunicação Social), a Cinemateca ou a Associação Portuguesa de Realizadores. Não digo que não tenham as suas razões para o afastamento, nem que a posição a tomar quanto a esta petição pública seja de sentido único; simplesmente, esse afastamento foi, pelo que diz Luís Mendonça, silencioso, autista, obscuro. Foi, para mim, verdadeiramente triste ler aquilo que os organizadores desta iniciativa descrevem: uma gritante falta de apoio, um absoluto desprezo das entidades públicas e das elites do cinema português por este tão legítimo e fecundo exercício de cidadania, essa palavra vistosa que por cá parece só ser de utilizar para elogiar esse país tão vasto chamado "lá fora".
Ler o último post de Luís Mendonça constituiu, para mim, um exercício de desacreditação. Senti-me muito desapontado com o meu país e, sobretudo, com aqueles que, amando o cinema, não foram capazes - por razões que prefiro aqui não desenvolver, até por desconhecimento - de estabelecer, pelo menos, diálogo com um grupo de cidadãos anónimos voluntariosos e bem-intencionados.

Alguns dir-me-ão: mas o que interessa o Cinema quando o país está como está? Todavia, permitam-me, quem faz essa pergunta nesses termos, não a faz porque o país tem a Troika a pisar-lhe os calcanhares no momento presente. Fá-la porque, enfim, a fará sempre, em qualquer momento: o que interessa o Cinema, o que interessa a Cultura a um país? Porquê, no que toca ao Cinema, por exemplo, passar um Hitchcock, um Antonioni ou um Rohmer, e não um blockbuster pipoca qualquer? Que diferença faz? Que é que interessa? (A não ser que alguém queira mesmo que se responda a isto, vou poupar-me ao esforço e passar esta à frente)

Contudo, neste caso concreto, a situação é mais profunda: é que foram também os próprios entusiastas de um cinema de qualidade e de fora do circuito estritamente comercial a não querer ouvir, a não querer dialogar com esses "malucos" (como eles) que gostam de cinema.
A democracia e a cidadania saem derrotadas e, repito, não unicamente porque esta petição pública não tenha triunfado. Saem derrotadas por um problema que é anterior e mais grave: porque uns quantos cidadãos - o Povo, esse soberano nebuloso - se sentiram desapoiados, mal tratados e ignorados por aqueles que têm responsabilidades ou, pelo menos, um certo papel - um ethos - a cumprir na defesa dos seus interesses.

coisas que nem sempre são fáceis de conjugar

2011-07-05T13:57:00.004+01:00

Um breve comentário a propósito da filmografia de Abel Ferrara, a cidade de Nova Yorque, os anos 90 e a cultura hip-hop.

Hoje:

2011-07-05T09:28:00.003+01:00

Jules et Jim (1962), de François Truffaut, no Teatro do Campo Alegre, às 22h.

descubra as diferenças

2011-07-05T00:28:00.013+01:00

Há um mundo de semelhanças entre o Ray Ruby (Willem Dafoe) de Go Go Tales (2007, Abel Ferrara) e o Joachim Zend (Mathieu Amalric) de Tournée (2010, Mathieu Amalric).
De um lado, a mesma paixão, irreverência e obstinação. O optimismo inquebrantável, contra tudo e contra todos (the show must go on), que mexe em tudo por que passa, mesmo quando a tragédia parece estar iminente. Por outro lado, a mesma infantilidade (ambos sonhadores e indomáveis - síndrome "Peter Pan") e solidão (Ray dormindo sozinho no seu escritório enquanto mil coisas acontecem no seu clube; Joachim viajando sozinho de carro pela noite dentro enquanto a sua companhia de new burlesque actua).
E, porque não dizê-lo, a mesma decadência e sensação de nostalgia pelos good old days, não só no que ao dinheiro propriamente dito diz respeito (dois businessman falidos), mas também no que toca ao seu percurso dentro do mundo do espectáculo (o clube Ray's Paradise já viveu melhores dias e Joachim, por seu turno, era um tipo famoso em França antes de se chatear com a indústria e se exilar nos EUA).

Mas, ainda mais marcante, é a mesma fragilidade emocional e necessidade de se agarrarem aos seus mais próximos, que não são, note-se, num caso e noutro, a família (como seria habitual), mas sim as pessoas com quem trabalham diariamente. Ray trata as suas go go girls quase como filhas, referindo-se ainda numerosas vezes ao pessoal do Ray's Paradise como uma "grande família", onde todos olham por todos (veja-se a cena excelente em que uma striper lhe diz que está grávida ou aquela outra em que Ray canta sozinho em palco - a canção parece ser, na verdade, dirigida ao clube). Joachim, por sua vez, parece só estar bem quando rodeado das suas strippers, procurando fazer tudo para que se sintam bem, ainda que por isso durma pouco ou nada.

Flagrante, também, o espaço em que ambas as personagens se movem: o mundo do espectáculo e, mais concretamente, o mundo do striptease, das mulheres, da carne e da sensualidade. É neste mundo que ambas as personagens se encontram permanentemente à beira do colapso, do fim, embora haja sempre algo que as mantém à tona. Apetece acreditar que esse "algo" não é fruto do acaso ou da fortuna, mas como que uma recompensa pela coragem e determinação de dois seres vertiginosos que correm todos os riscos por amor à arte. E por aqui se vê o grito pela independência - no cinema, mas também na arte, em geral - que é comum a crítica apontar a Amalric e Ferrara por estes dois filmes.

2011-07-03T00:44:00.002+01:00

Tempos de Verão (2008), de Olivier Assayas.

forgiveness

2011-07-01T22:55:00.001+01:00

Harvey Keitel em Bad Lieutenant (1992), de Abel Ferrara.

Ciclo ABEL FERRARA: "ENTRE O VÍCIO E A MORAL"

2011-07-01T01:02:00.002+01:00

Começou hoje, no Teatro Campo Alegre, o ciclo "Entre o vício e a moral", dedicado à obra de Abel Ferrara. Até dia 6 de Julho, com sessões às 18h30 e 22h.

Ciclo "VERÃO", no Passos Manuel

2011-06-30T13:48:00.005+01:00

Começa já hoje o ciclo "VERÃO", organizado pela Milímetro. Às 22h, no Passos Manuel.

30 JUNHO

Tempos de Verão (2008), Olivier Assayas.

14 JULHO
Almoço de 15 de Agosto (2008), Gianni di Gregorio.

21 JULHO
Aquele Querido Mês de Agosto (2008), Miguel Gomes.

Hoje, às 22h, é exibido o primeiro filme do ciclo - Tempos de Verão, de Olivier Assayas, o tão badalado realizador de Carlos.

Dolores Haze

2011-06-26T23:25:00.001+01:00

Lolita (1962), de Stanley Kubrick.

Ainda a Sharon Stone era uma menina...

sem ponto de chegada

2011-06-25T01:58:00.011+01:00

Viagem a Portugal é uma viagem que podia ser, em boa verdade, a qualquer país desenvolvido onde ainda subsistam tiques xenófobos e discriminatórios (das autoridades, note-se, porque da população subsistirão sempre). E ao dizer isto, já estou a avançar que o novo filme de Sérgio Tréfaut se acaba por anular a si mesmo, sem nervo nem rasgo.
Na realidade, a história - verídica - que sustenta Viagem a Portugal é uma história como outra qualquer, daquelas que tristemente continuam a assolar os países que se dizem "abertos" e "multiculturais": a desconfiança face ao outro, ao que nos é estranho, ou, sem eufemismos, uma história sobre o racismo e o preconceito em estado bruto. Daí o primeiro parágrafo e a pergunta que se coloca: porquê viagem a... Portugal? O que há no filme de Tréfaut que identifique concretamente o nosso país e suas idiossincracias? Somos assim tão diferentes, no que toca ao preconceito, dos alemães, dos espanhóis ou dos americanos?

Mas esta questão poderia ser omitida se Viagem a Portugal não falhasse em toda a linha no resto. Vamos às coisas boas, primeiro. O argumento (um ponto de partida cativante) alia-se a um tratamento de imagem de um preto e branco "científico", super higiénico, como que em comunhão com o espaço "incolor" de normatividade e burocracia da Autoridade (no caso, o Serviço de Estrangeiros e Fronteiras de um aeroporto). Daí todo um ambiente muito "clean", mas simultanemente claustrofóbico e ameaçador (diria que há mesmo algo de orwelliano naqueles corredores e escritórios...).
Estas eram duas valias (uma narrativa, outra estética) que podiam fazer de Viagem a Portugal um exercício interessante. O problema está, depois, na franca monotonia em que o filme se arrasta: não só nos diálogos que nada acrescentam ao que já foi dito, mas também na brincadeira do campo/contracampo repetida sob a perspectiva de cada uma das personagens, mas que, de tão mecânica (são raríssimos os movimentos de câmara), se torna previsível e aborrecida ao fim de alguns minutos. Mas o pior de tudo está mesmo nos actores e nos diálogos, a que só escapa Maria de Medeiros. Isabel Ruth começa o filme muito bem, é certo, mas depois vai por ali fora sempre a descer. Isto para não falar de outras personagens, como a de José Wallenstein, perfeitamente inconsequentes. E depois há ainda uma série de diálogos confrangedores (são vários, a sério) e péssimos actores (não havia mesmo mais ninguém para vestir o papel de polícia?!), como só me lembro de ver em Mistérios de Lisboa (mas toda a gente disse maravilhas do filme, por isso mais vale estar calado).

Tudo somado, fica a sensação de uma oportunidade falhada em explorar um tema que é, por si só, estimulante (sobretudo quando estamos a falar um documentarista como é Tréfaut) e tão em voga nos dias de hoje (se calhar em demasia, e por isso o filme talvez não tenha o impacto que seria suposto ter...). Por isso, apetece dizer que a viagem de Tréfaut parece acabar por não chega a lado algum - não apenas no sentido literal (nunca saímos do mesmo espaço físico, o SEF) propriamente dito, mas também na medida em que o filme nada acrescenta ao seu tema de base (o preconceito), o qual é reconhecível imediatamente logo nos primeiros minutos do filme. Não saímos de onde partimos, e não ficamos mais ricos.

"Carlos"

2011-06-25T00:05:00.013+01:00

Há um ponto de partida incontornável para qualquer crítica que se faça a propósito de Carlos, de Olivier Assayas: é o de que estamos perante um sub-produto da obra original, pensada para televisão e com a duração de 5 horas e meia. E ao contrário do que já li, penso ser essa uma circunstância que não deixa de ser perceptível na versão que nos chega ao cinema, mais concretamente na montagem de um filme em que demasiados momentos narrativos são intercalados pelo "apagão" total (raccords nem vê-los), técnica que muito dificilmente me parece ter aqui qualquer cunho estético, antes instrumento necessário para condensar o tempo da fita, o que a certa altura acaba por ser cansativo (porque monótono) para o espectador.
Isto não faz de Carlos um mau filme, muito pelo contrário, sem que no entanto as 2h45de filme não deixem de saber a pouco. Carlos é filme de acção, empolgante e nesse particular cumpre com mestria. Mas depois falta-lhe algo mais: falta densidade às personagens (algumas delas mesmo muito pouco trabalhadas) e falta também um maior aprofundamento político do contexto histórico em que o filme se move - a dada altura, Carlos tem tanto de político (e menos de sexual, com pena minha) como um Bond.
Mas para tudo isto pode existir uma decisiva razão que mude o caso de figura: as tais 5 horas que a versão original (feita em formato de série para televisão) possui e que merecem ser vistas (a cena do assalto à OPEP, uma hora inteirinha, deve estar fabulosa).

Curiosamente, ao contrário da crítica que Carlos, o original, teceu ao filme - de que este o descaracterizaria, por o retratar tão-só como um mercenário e sex-symbol, despido de convicções políticas e ideológicas -, creio que Assayas é sóbrio e justo com a personagem de Carlos. Não o pinta, em momento algum, como um "mercenário", mas sim como um jovem que, como tantos, ontem mais do que hoje, foi refém de símbolos e imaginários voluntaristas e utópicos. Nesse capítulo, e esta é a pedra de toque, essa abnegação utópica, porque presa a esses referentes-mito, criou nesses jovens - burgueses, em grande parte dos casos, como é sabido - uma projecção imediatista, pouco ou nada reflectida (este Carlos nem livrinhos de bolso do Lenine transporta consigo...), para lutar. A personagem de Carlos é, neste particular, um exemplo paradigmático desse estado das coisas - e por isso é que o seu "hasta la victoria siempre!" soa tão vazio e artificial, como um qualquer slogan da coca cola (coca cola e Marx, à Godard). Mas dizer (ou filmar) isto não é descaracterizar ou falsificar; é, na verdade, documentar e reflectir sobre uma época e uma certa forma de estar entre os jovens filiados na esquerda radical dessa Europa de então.

Como retrato histórico e bem dentro dos movimentos revolucionários de esquerda europeus que proliferavam nos anos 70, continuo a preferir O Complexo de Baader Meinhoff (2008), de Uli Edel (foto abaixo), ou até A Melhor Juventude (2003, Marco Tullio Giordana) e Bom Dia, Noite (2003, Marco Bellochio).

La Gran Vie

2011-06-16T22:37:00.004+01:00

É provável que em 1963 a metáfora da vida como uma roleta russa fosse já cliché. Jacques Demy parece não se importar.

As fichas, os croupiers, os smokings, o casino de Monte Carlo, não falta nada. Ainda assim, a "Baía dos Anjos" está longe de ser um filme glamouroso, mesmo tendo a loiríssima Jeanne Moreau num dos papéis principais.

Pelo contrário, este é o retrato quotidiano de um vício em que a desilusão e o êxtase se alternam perpetuamente, ao sabor do acaso, da sorte, do destino, ou de algo mais (Jacqueline (Jeanne Moreau) perguntava-se a certa altura se não seria Deus quem escolhia os números da roleta).

No entanto, mantém-se a ilusão de que se controla a vontade e o futuro, num misto de ansiedade e insaciedade, até à chegada redentora do amor. Não é tudo isso a vida, afinal? "La gran vie", diria Jacqueline.

P.S. A banda sonora, mais uma vez, é soberba. Desta vez com Michel Legrand, em vez de Beethoven.

Demy, parte II

2011-06-15T17:03:00.001+01:00

A Baía dos Anjos (1962), de Jacques Demy, hoje, às 22h, no Passos Manuel.

quite a girl

2011-06-12T23:26:00.004+01:00

Road to Nowhere (201o), Monte Hellman.

"Leap year"

2011-06-09T19:29:00.002+01:00

Câmara de Ouro deste ano em Cannes: Leap year (2010), de Michael Rowe.

"A lonely Mexican woman with some major intimacy issues goes on a one-month sex spree in "Leap Year," Michael Rowe's raunchy and acutely minimalist study of urban alienation, romantic longing and bedroom practices no one should try at home. Set almost entirely inside a drab Mexico City apartment and filmed in a series of well-designed masters, pic evokes both Tsai Ming-liang's quiet studies of contempo gloom and Bruno Dumont's raw depictions of flesh-on-flesh, with a cleverly constructed story that pays off despite the bodily fluids. Semi-extreme content will attract distribs prepared to take a leap of faith".

Artigo completo aqui.

o casal em crise, anos 60

2011-06-09T14:44:00.004+01:00

Por ordem:

Le Mépris (1963), Godard.

La Notte (1961), Antonioni (de quem também podiam estar aqui L'Avventura e L'Eclisse).

Faces (1968), Cassavetes.

entre outras coisas, é isto

2011-06-05T23:02:00.007+01:00

"Very few stories capture what it’s truly like to be a child as authentically as The Tree of Life does. The wonderment, the sadness, the confusion, violence, and playfulness".

(e muitas outras, que merecem uma segunda chamada)

uma música vale mais do que mil imagens

2011-06-04T23:42:00.002+01:00

Sinfonia n.º 7, de Beethoven.

(ou Lola, de Jacques Demy)

"noir"

2011-06-04T10:25:00.003+01:00

The Man from London (2007), de Béla Tarr. Com Tilda Swinton.

beats, rhymes & life

2011-06-03T00:13:00.004+01:00

Um dos documentários que mais deu que falar no Sundance Film Festival deste ano é sobre uma das minhas bandas predilectas.
Beats, Rhymes & Life: The Travels of a Tribe Called Quest é o nome do documentário realizado por Michael Rapaport sobre os A Tribe Called Quest, grupo lendário do hip-hop norte americano. Participações de Common, Pharrell Williams, Pete Rock, Beastie Boys, Jungle Brothers, De La Soul, ...
Ansioso por ver!

isto promete

2011-06-02T14:01:00.001+01:00

Lola (1961), de Jacques Demy, amanhã, às 22h, no Passos Manuel.

A partir de hoje: "CINQ FOIS GODARD"

2011-05-31T00:54:00.004+01:00

Começa hoje o ciclo "Cinq Fois Godard - anées 60", dedicado, como o nome indica, à filmografia dos anos 60 de Jean-Luc Godard - de quem, aliás, por aqui e ali se tem falado.
Todas as terças-feiras, às 22h, no Teatro Campo Alegre. Tão cedo não haverá oportunidade como esta, é aproveitar!

isabel e catarina

2011-05-29T23:07:00.003+01:00

Isabbele Huppert e Catherine Deneuve, "as duas, cada uma no seu género".

"Os dez anos que separam as suas idades (Deneuve nasceu em 1943, Huppert em 1953) sublinham o óbvio: são actrizes de gerações diferentes, que chegaram ao cinema em momentos diferentes, são, em suma, actrizes diferentes, na personalidade como no estilo, ou na escola, ou como se lhe quiser chamar. Aceitando que são, actualmente, as duas maiores "estrelas" do cinema francês, até no "estrelato" são diferentes: mais mundana, muito mais "à antiga", Deneuve; mais reservada e recatada, no modelo "famosa malgré elle même", Huppert. Parafraseando um célebre filme português, não há que opor uma à outra, apreciam-se as duas, cada uma no seu género. Pormenor importante, essa diferença de natureza não é impedimento a que, em dados momentos das respectivas carreiras, elas tenham sido parecidas".

Artigo completo aqui.

banksy

2011-05-29T18:20:00.002+01:00

No início do ano passado, disse que queria ir ver este filme. Ano e meio depois, aí está ele em Portugal, contra as expectativas mais pessimistas.

(este beat é uma BOMBA!)

rendez-vous

2011-05-28T18:46:00.004+01:00

C'était un rendez-vous (1976), de Claude Lelouch.

PERCURSO:
Bd Périphérique (exits at Porte Dauphine) · Av Foch · Pl Charles-de-Gaulle · Av des Champs-Elysées · Pl de la Concorde · Quai des Tuileries · Pl du Carrousel · R de Rohan · Av de l'Opera · Pl de l'Opéra · Fromental Halévy · R de la Chausée d'Antin · Pl d'Estienne d'Orves · R Blanche · R Pigalle · Pl Pigalle · Bd de Clichy · (aborted turn at R Lepic) · R Caulaincourt · Av Junot · Pl Marcel Aymé · R Norvins · Pl du Tertre · R Ste-Eleuthère · R Azais · Pl du Parvis du Sacré Coeur.................

RENDEZ-VOUS.

uma pergunta

2011-05-26T14:18:00.005+01:00

La Chinoise (1966), Jean-Luc Godard.

É certo que os tempos são diferentes. Que os voluntarismos e as utopias (ou falta delas) são outras.
Mas com tudo o que tem acontecido no Médio Oriente e na Europa - agora, sobretudo em Espanha, mas já antes, na Grécia -, será assim tão arriscado identificar um sublevantamento geral inconformista e - em que medida e até que ponto, são as questões - revolucionário?

Postas assim as coisas, a pergunta: que papel terá/está a ter o cinema neste momento no acompanhamento dessa erupção? Quem vai/está a filmar isso?

"L'ENFANT" (2005), de Jean-Pierre e Luc Dardenne

2011-05-23T01:09:00.014+01:00

Tive a honra e o prazer de ser um dos oradores no debate de terça passada sobre o filme “L’Enfant”, inserido no ciclo “Justiça no Cinema”, promovido pela Associação Jurídica do Porto.
Na altura, escrevi, para o efeito, uma crítica ao filme, que agora deixo aqui. Por falta de tempo, não a retoquei, o que é pena porque do debate guardei (aprendi!) novas perspectivas sobre o filme.

Tudo começa, em L’Enfant, pelo título. Quem é, de facto, a criança neste filme de Jean-Pierre e Luc Dardenne?

Ao contrário do que uma primeira leitura rápida do filme possa sugerir, a criança sobre quem a câmara dos franceses se centra é, afinal, Bruno (Jérémie Renier, o miúdo de La Promesse), o pai de um bebé recém-nascido, fruto da relação com a sua namorada Sónia (Déborah François). Na verdade, esse bebé - que nem “criança” pode ser ainda, em boa verdade... - é apenas o leitmotiv operador de um filme que confronta a passagem da juventude à idade adulta e a pré-suposta aquisição de qualidades que essa passagem, de acordo com a normalidade das coisas, impõe. Falo em “normalidade” e não é à toa; na verdade, em todo o filme, essa normalidade (composta por regras, rotinas, disciplina), própria da sociedade em que todos vivemos, está em permanente crise. O ambiente em todo o filme é esse mesmo: o de trangressão das regras, o qual se afirma, cruamente, no quotidiano de Bruno, um jovem dos subúrbios belgas que sobrevive de pequenos roubos e biscates que vai fazendo com a ajuda de uns cúmplices ainda mais novos que ele.

Bruno é o Peter Pan desses subúrbios cinzentos e desgarrados por onde circula, levando um estilo de vida avesso àquilo que a sua idade já faria supor: responsabilidade e maturidade. Até a sua própria fisionomia sugere isso mesmo: a face imberbe e com acne, os cabelos loiros, rebeldes, de criança contrastam a todo o tempo com o seu rosto adulto de traços duros. Mesmo quando confrontado com o nascimento do seu filho, Bruno parece nunca se aperceber bem do que isso significa – pense-se só como Bruno não o olha (não o vê) uma única vez. Esse alheamento (ou fuga voluntária?) por completo ao mundo e às responsabilidades faz de Bruno uma criança-grande, alguém cujo corpo cresceu demasiado para o espírito infantil e despreocupado. Mas dizer isto é já dar por certo o facto de, na vida, obedecermos todos a um certo processo naturalístico cronológico: nascemos bebés, tornamo-nos crianças, depois jovens, mais tarde adultos. E é dar por certo, também, que de uma fase para outra nos vamos tornando cada vez mais responsáveis e maduros (ou pelo menos é isso que as pessoas esperam de nós). No fundo, cada vez mais… adultos. Ora, neste ponto (que aqui é “todo” o ponto), o filme dos irmãos Dardenne parece querer constituir uma espécie de resgate a essa normalidade das coisas, ou, visto de outra perspectiva, parece querer resguardar um certo lugar de liberdade e de sonho para os que não se acomodam às “regras do jogo”. Porque é que “tem” de ser assim? Porque não podemos ser crianças despreocupadas por mais algum tempo? Bruno não quer crescer e a câmara não faz juízos de valor – expressão máxima de um cinema simultaneamente perscrutador e tolerante com o indivíduo. Como toda a arte deve ser.

Esta recusa da “perda de inocência”, como que um grito contra o sistema, contra a ordem natural das coisas, faz com que vejamos Bruno e os seus pequenos cúmplices (um deles é mecânico, o que mais uma vez joga com a ideia de criança-adulto) como uma espécie de “excluídos” (ou esquecidos?) à margem da sociedade. Essa ideia é acentuada por um sem-número de pormenores, nomeadamente o lúgubre esconderijo ((faz lembrar a toca dos amigos de Peter Pan) junto ao rio onde se encontram, longe de tudo e de todos; o facto de, no registo civil (lugar de autoridade, burocracia, normatividade), Bruno e Sónia darem ao bebé o nome de “Nicolas”, mas cá fora (no “seu” mundo) o chamarem sempre de “Jimmy”; ou ainda pela impressiva tirada de Bruno que, quando confrontado por Sónia com uma proposta de emprego, dispara: “Trabalhar é para os cretinos”. A dita normalidade, a responsabilidade e tudo o mais são, portanto, para os “cretinos” – nisto reside a completa subversão dos termos com que estamos habituados a viver em sociedade.

Os cenários de ruas e estradas onde os carros passam a alta velocidade, em que grande parte do filme é rodado, só acentuam a sensação de precariedade e marginalidade em que vivem as personagens, como que se o mundo lhes passasse ao lado, muito rapidamente e sem dar por eles.
São pouquíssimas as filmagens em interiores e, quando as há, elas decorrem sempre em locais anónimos e de passagem e aonde as personagens não pertencem (o hospital, a esquadra da polícia, etc.), razão pela qual sai reforçada a ideia de serem as personagens, à sua maneira, uma espécie de “sem-abrigo”, desenraizadas e frágeis. Também o som, onde a captação do mais ínfimo ruído (conversas de rua, buzinões, motores, telemóveis, etc.) é uma constante, contribui para uma atmosfera de um anonimato generalizado em que as pessoas se encontram desconectadas umas das outras. E por aqui se vê o “realismo” que é comum apontar-se ao cinema dos Dardenne (que começaram no documentário, note-se).

Ao contrário daqueles que, como já li, afirmam não ser intenção dos Dardenne fazer qualquer censura à “transacção” (e uso o termo propositadamente, como provocação) que Bruno faz (eles estariam até a ser condescendentes, dizem), penso ser essa uma visão das coisas que, pretendendo-se humanista, se esquece do essencial: há um bebé e há um pai que o vende, como vende as coisas que rouba. Ignorar isso é esquecer o alerta que o filme lança: o da reificação da pessoa nos tempos em que vivemos e, com ela, o esvaziamento de qualquer sentido de ética. Afinal de contas, onde fica o Amor entre um pai e um filho? É disto que se trata. Embora, é certo, os Dardenne não se sirvam da câmara para moralismos fáceis, antes se interrogando profundamente sobre o que leva a tudo isto. Mais perguntas do que respostas, claro.

Esse esvaziamento é expresso num dos diálogos mais fortes de toda a fita, aquele em que Bruno, interpelado por Sónia, que lhe pergunta onde se encontra o bebé, responde, com naturalidade: “Vendi-o. Depois podemos fazer outro, não?”. Esta ausência de qualquer sentido ético ou moral (e, com ele, de qualquer sentimento de culpa) transcende a personagem de Bruno: ela quer representar a anomia e o eclipse de valores (a pessoa, a família, temas, aliás, recorrentes na filmografia destes autores) da sociedade pós-moderna do vale-tudo: a sociedade em que se vende um filho para se ganhar uns trocos. E ela não nos é distante: é a mesma onde se fazem concursos televisivos em que os participantes são indivíduos obesos que terão que “sofrer” para se “transformarem” naquilo que a sociedade dita, qual Grande Timoneira, como aceitável e meritoso. Triste, mas é assim.

As últimas cenas do filme, subsequentes ao roubo (até este parece aqui uma pequena partida de crianças…) de Bruno e Steve, são de uma enorme comoção. É porque o roubo corre mal que Bruno vai, finalmente, assumir a responsabilidade dos seus actos, tornando-se inevitável falarmos aqui de redenção.
A derradeira cena entre Bruno e Sonia (que traz à memória, como já alguém escreveu, a cena final de Pickpocket, de Robert Bresson) é o contraponto de uma das primeiras do filme (ver primeira fotografia), em que Bruno e Sonia brincam alegremente numa estação de serviço como duas crianças. De facto, ela simboliza como a partir daí a inocência ficou para trás, como esse tempo acabou.

L'Enfant venceu a Palma de Ouro em Cannes, em 2005.

Essential Killing

2011-05-21T15:57:00.001+01:00

Novo filme de Jerzy Skolimowski, com Vincent Gallo no papel principal.

CF

2011-05-21T15:22:00.002+01:00

(A Single Man, 2009, Tom Ford)

(The King's Speech, 2010, Tom Hooper)

nunca é tarde demais

2011-05-20T18:03:00.013+01:00

para dizer que Tournée é um grandíssimo filme e um dos melhores que vi este ano. Já o vi há uns tempos e logo na altura quis escrever algo sobre ele, o que infelizmente não me foi possível porque o tempo não tem abundado. Estaria, no entanto, a ser injusto comigo mesmo se não fizesse este tributo ao filme, pena que o atraso já tenha apagado muitas coisas que me ficaram na cabeça depois de o ver.

Tournée confirma Mathieu Amalric como um realizador de excelência - como actor, já o sabíamos, e isso só sai reforçado com a personagem infantil ("peterpanesca") e frenética (uma homenagem à figura do "Produtor", especialmente à de Paulo Branco, como já o disse o próprio Amalric) que veste no filme. Em Tournée, Amalric serve-se de planos belíssimos (estou a lembrar-me particularmente daquele em que a troupe do Burlesque vai buscar as pizza, e que pode ser visto mais abaixo) e personagens densas (não só a de Amalric, mas também a de Mimi "Le Mieux") para fazer um filme ternurento, comovente mesmo, mas que parece estar sempre na corda bamba da loucura, como, aliás, a própria personagem de Joachim (intepretada por Amalric). O que torna inevitável, pelos ambientes criados em redor de Joachim, pensarmos em Fellini, por exemplo, especialmente naquela última cena numa casa semi-abandonada (o skate deslizando pela piscina...), onde Joachim solta um derradeiro e enigmático grito.

Assim muito rapidamente: fotografia estrondosa (sobretudo nas cenas dos shows da companhia) e banda-sonora ao mesmo nível (particularmente a "Have Love, Will Travel", dos Sonics).

Ciclo "Um Chabrol, dois Demy"

2011-05-16T19:56:00.002+01:00

Ciclo "Um Chabrol, dois Demy", organizado pela Milímetro. Dias 19 Maio, 3 Junho e 15 Junho no cinema Passos Manuel.

19 Maio - "A DAMA DE HONOR", Claude Chabrol

3 Junho - "LOLA", Jacques Demy

15 Junho - "A Baía dos Anjos", Jacques Demy

sobre a precariedade dos filmes

2011-05-14T01:05:00.004+01:00

Artigo completo aqui.

"Por contraste aos filmes feitos com todos os recursos técnicos e de produção sofisticada que, por demasiado “bem feitos”, ainda que apenas em estrito sentido técnico, acabam por bloquear ou ocultar a aparição dos gestos cinematográficos singulares que prometiam, limitando, por conseguinte, a própria experiência estética que é neles possível, existem outros filmes, feitos em condições de filmagem precárias e material de base reduzido que, não ocultando essas circunstâncias, constituem uma certa menoridade que é também, de início, uma promessa, pois nela se projeta a esperança de uma justeza para com as personagens e as situações perante as quais se coloca, muitas vezes também elas marginais e precárias. São, no entanto, alguns os perigos, intrínsecos a essa condição, que se colocam à consistência destes filmes.

Em primeiro lugar, nem sempre é possível escamotear de forma criativa, através da montagem, a fragilidade inerente a ter pouco material de base. Aparenta ser bastante difícil construir uma densidade temporal e existencial quando os planos filmados são reduzidos e não contemplam as personagens atravessando o quotidiano. E quando, em paralelo, existe uma excessiva dependência da força existencial que algumas personagens emanam, seja pela sua peculiaridade, seja pelo caricato do seu discurso, corre-se muitas vezes o risco de as tornar em caricaturas. Essas evidências que emanam as personagens, que parecem inicialmente um ganho, acabam por severamente limitar a complexidade dos filmes. A suposta riqueza dos personagens constitui então, paradoxalmente, um perigo para a composição do filme enquanto obra, cuja força intrínseca se dá menos por isso do que pela conjugação, com o seu quê de misterioso, de muitos outros elementos.
(...)
Mas aquilo que, em última análise, parece definir o gesto que tenta compensar a precariedade em alguns filmes, neste sentido que lhe demos, e o seu maior risco, encontra-se na introdução de uma dimensão meta-fílmica, que é em geral bem mais difícil de integrar do que pensamos. Nela, o filme parece desejar questionar-se a si próprio e, simultaneamente, justificar o seu fim e mesmo os seus limites. No entanto, esse espelhamento súbito, pese embora possa potencialmente dar conta dos limites do filme e da sua construção, acrescentando-lhe uma complexidade rude, quase sempre nos subtrai da realidade até então composta, que era já de si de uma natureza frágil, afastando-nos do segredo da subtileza".

em jeito de balanço

2011-05-11T21:44:00.003+01:00

O Cineclube FDUP fechou ontem a sua programação deste ano com o formidável "Buffalo 66", numa sessão com uma audiência de mais de 20 espectadores.

Num ano importante para o Cineclube, e com tantas pedras (pedregulhos, por vezes!) no caminho, as sessões decorreram a bom ritmo, procurando-se, como tem sido hábito, tocar em várias filmografias, estéticas e épocas.

Começámos com "ANIMAL HOUSE", um clássico da comédia norte-americana de fins de 70, da autoria de John Landis. Fomos depois até às produções independentes, primeiro com um autor francês contemporâneo (Xavier Giannoli, em "A L'ORIGINE", 2009), mais tarde com um dos pais (e mestres) do cinema "indie" norte-americano, John Cassavetes, em "FACES" (1968). E falar em Cassavetes é também associá-lo, de certa forma, à Nouvelle Vague que ia irrompendo do lado de cá do Atlântico, a qual esteve representada pela mão de Agnès Varda com "CLÉO DE 5 À 7" (1962), onde as deambulações da personagem principal pela Paris dos anos 60 sugerem, como na sinopse que por aqui disponibilizámos, um certo contraponto com a icónica Jean Seberg de "À bout de souffle".
A terminar, e voltando ao cinema independente norte-americano, fechámos com "BUFFALO 66", primeira longa-metragem de Vincent Gallo, para muitos um dos melhores filme das cena indie em 2010.

Num ano com muitas saídas e entradas, o Cineclube FDUP não perdeu a sua dinâmica e viu mesmo as suas sessões a aumentarem o número de espectadores, o que só nos pode encher a todos de orgulho. Sinal encorajador, pois, para continuarmos a ser um local aberto de apreensão e crítica cinematográfica, tarefa importante sobretudo quando o ar que se respira nas salas de cinema do Porto é, com as devidas excepções, cada vez mais rarefeito.

Bons filmes!
Francisco.

*Como alguns já terão reparado, a DVTECA do Cineclube FDUP foi temporariamente encerrada na Biblioteca da FDUP. Assim que haja novidades, daremos informações!

Buffalo '66

2011-05-11T21:15:00.008+01:00

Buffalo '66

Vincent Gallo, 1998

Buffalo '66 é, verdadeiramente, um filme de autor. Vincent Gallo, nascido em Buffalo, Nova Iorque (em 1961 e não 1966, porém) é realizador, actor, escritor, músico e, podemos dizer, o verdadeiro protagonista desta sua primeira longa-metragem, não só pelo facto de se tratar da obra de um só génio, mas também devido ao seu pendor alegadamente autobiográfico, ainda que Gallo o negue.

Billy Brown (Vincent Gallo) é um homem sem amor. A música inicial (“all my life I've been a lonely boy”) assim o sugere. O filme inicia-se com a sua saída da cadeia, após 5 anos detido, e o desejo de regressar a casa, para mostrar aos pais - que nada sabem acerca da sua reclusão, como tem sido bem sucedido ao longo desse tempo.

Para completar o plano, Billy rapta Layla (a encantadora Christina Ricci) com o objectivo de a apresentar como noiva, e desdobra-se em intruções (por vezes ordens, e até ameaças) de uma precisão estonteante, como se tudo estivesse há muito tempo absolutamente delineado na sua mente (“Make me look good, alright? You loved me. You've been in love with me your whole life. Your new name would be Wendy Balsam”).

Inesperadamente, Layla não tenta escapar, mesmo tendo oportunidade para o fazer. Deixa-se envolver, e desempenha fielmente o seu papel de namorada apaixonada, numa manifestação por demais óbvia de síndrome de Estocolmo.

No entanto, é precisamente esse carácter, que demonsta um equilíbrio instável entre agressividade, timidez, desespero, insegurança e candura, essa carência de afectos e fragilidade mal dissimulada que suscita a nossa simpatia e, supomos, também a de Layla.

Chegados a casa, verificamos que os pais de Billy (Ben Gazzara e Anjelica Houston) não poderiam estar mais afastados da realidade e do filho, que ignoram, e chegam a desprezar. A tensão que se cria nessa noite, à mesa de jantar, é sublime, e a estranheza da cena é sobretudo acentuada pela actuação do pai, que canta “Fools Rush In”, uma música popularizada por Frank Sinatra. Curiosamente, a gravação que ouvimos é do pai de Vincent Gallo, igualmente chamado Vincent Gallo.

Já num momento final, as posições de ambos, deitados sobre a cama, são o mais claro sinal de evolução: lentamente, Billy cede, e acaba por render-se a Layla, cujo amor o transfigura. É um novo homem, apercebemo-nos disso pelo porte, pelo olhar, outrora vazio e agora confiante e desperto.

Quando tudo parece terminado e nos congratulamos interiormente pelo desfecho da história, é de salientar aquele último plano, de meros segundos, que, com o abraço estático de ambos e o olhar distante de Layla, nos renega o prazer imediato de um final feliz e nos obriga a reflectir de forma mais profunda naquela ligação fugaz e improvável.

Crítica: Inês Viana

"BUFFALO 66", amanhã (10 Maio), 18h15

2011-05-09T10:23:00.003+01:00

Esta terça-feira, 26 de Abril, não percam:

"BUFFALO 66", de Vincent Gallo, com interpretações de Vincent Gallo, Christina Ricci, Mickey Rourke e Ben Gazzara.
Entrada gratuita. Às 18h15, na sala 128.

SINOPSE
Billy Brown esteve preso mas os seus pais pensam que casou e vive uma vida de sucesso. Quando ele tem de os ir visitar precisa desesperadamente de encontrar alguém que esteja disposta a ser "a sua esposa" para essa visita. Como será o reencontro com quem ele nunca se sentiu bem?
O primeiro filme de Vincent Gallo enquanto realizador.

EXCERTO

"The Imperialists are still alive!"

2011-05-08T19:25:00.005+01:00

"The Imperialists are still alive!", de Zeina Durra.

Não estará tão cedo nas salas portuguesas, mas já dá para aguçar a curiosidade.

"The Imperialists Are Still Alive! is propelled forward (and backward, and sideways) less by by a streamlined narrative arc and more by the hope that its free-floating characters and scenes will ultimately coalesce into a larger picture. Similarly, its initial (and almost aggressive) weirdness is tempered by such somber moments as Asya relaying news of her brother not long after huddling around the radio in a small market in order to hear news of the latest bombings in Beirut. Still, extracting meaning from Durra’s film is a decidedly strange process, and The Imperialists Are Still Alive! can be as difficult to make heads or tails of as the art therein. In this way, the angle from which it’s viewed is vital".

fonte: http://www.hammertonail.com/reviews/the-imperialists-are-still-alive-film-review/

Cineclube FDUP

é já hoje:

she said it's ok

Cursos na Aliança Francesa do Porto

"political solutions don't work"

Pós-Gradua​ção em Gestão de Organizaçõ​es sem Fins Lucrativos

Ciclo "Música de Câmara"

"PORTAS FECHADAS" (cartaz)

mini-ciclo "PORTAS FECHADAS" (20 e 21 DEZ.)

os filmes que já vimos

SESSÃO DUPLA - Aviso

SESSÃO DUPLA: "OS FILMES QUE NÃO VIMOS EM 2011"

próxima semana: SESSÃO DUPLA

6 Dez.: "SUPER FLY", de Gordon Parks Jr.

Ciclo "FASSBINDER: TRILOGIA DO PÓS-GUERRA"

Crítica "O ESPELHO"

22 Nov.: "O ESPELHO", de Andrei Tarkovsky

Zabriskie Point

Ciclo de Animação, no CineFEUP

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A Sombra dos Antepassados Esquecidos

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Premiados passatempo "CINANIMA 2011"

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